En 2014, dans la première saison, l’écrivain-scénariste-producteur Nic Pizzolatto avait mis la barre si haut qu’il aurait été miraculeux qu’il puisse réitérer l’exploit. Son parti pris de changer diamétralement de direction pour la suite était louable, mais en 2015, la deuxième s’est avérée terriblement décevante malgré une distribution de rêve. Le scénariste prodige a retenu la leçon et est revenu à ses fondamentaux en 2019. Qu’en est-il de ce nouveau cru ? (pas de spoiler dans cette chronique)
« Eh bien, quand on ne parle pas à quelqu’un pendant vingt-quatre ans, on rate des trucs. »
True Detective saison 3
2019 Série HBO créée par Nic Pizzolatto en 2014 Saison 3 diffusée sur OCS depuis 13 janvier 2019
En 1980, une petite ville du nord de l’Arkansas est en émoi à l’annonce de la disparition des jeunes Will et Julie Purcell, qui ne sont pas revenus d’une balade en vélo en fin d’après-midi. Deux policiers locaux, Wayne Hays (Mahershala Ali) et Roland West (Stephen Dorff), sont chargés de l’enquête. Ils ignorent que cette affaire va avoir des répercussions sur leur propre vie…
Disons le franchement : le début de cette troisième saison pouvait laisser craindre le pire. Tout semblait indiquer un copier-coller de la première, dite « la géniale » : plans identiques, intrigue aux similitudes évidentes, même rythme lancinant, même articulation chronologique sur plusieurs périodes… Et puis, petit à petit, le tandem Mahershala Ali et Stephen Dorff impose sa petite musique, leurs personnages se révélant très différents de ceux qu’incarnaient Matthew McConaughey et Woody Harrelson. La saison 1, sous influence Southern Gothic, emmenait dans les marais malsains et angoissants de la Louisiane. Ici, ce sont les paysages crépusculaires et atmosphères un brin fantastique du nord de l’Arkansas, région bien connue de Nic Pizzolatto, qui imprègnent l’intrigue, moins mystique que celle de la première et qui se révèle, au fil des épisodes, bien plus sentimentale. Ni tout à fait la même, ni tout à fait une autre donc. Si Mahershala Ali, acteur surdoué deux fois oscarisé (pour Moonlight et Green Book), tire la couverture à lui dans la peau de ce flic aujourd’hui atteint d’Alzheimer, hanté par la guerre et obsédé par la résolution d’une énigme qui lui a échappé toute sa vie, Stephen Dorff surprend et émeut dans ce personnage de taiseux, blessé, pétri d’amertume et désespérément seul. A eux, vient se joindre la sublime Carmen Ejogo, une révélation ! Ces trois-là font littéralement vibrer les dialogues de Pizzolatto (magnifiquement écrits). Nimbé de la tristesse qui habite chaque personnage de ce drame rural (mention spéciale à Mamie Gummer, la fille de Meryl Streep, qui campe une mère droguée et dévastée), True Detective Acte 3 parle de secrets de famille, de bonheurs enfuis, d’amours perdues, d’amitié brisée, et s’achève sur un huitième épisode lumineux et incroyablement romantique. Une saison 4 est en préparation : on s’en réjouit. Huit épisodes d’environ 1 h (1 h 15 pour le dernier) réalisés par Jeremy Saulnier (2), Nic Pizzolatto (2) Daniel Sackeim (4) Et avec : Scoot McNairy, Michael Graziadei, Ray Fisher, Sarah Gadon, Josh Hopkins, Michael Greyeyes…
« Et pour remettre le premier César de la soirée, celui du Meilleur espoir féminin, j’appelle Yann Moix ! Non… je suis cool… j’déconne… Voici la magnifique Audrey Fleurot ! »
La 44èmene restera pas dans les mémoires. En dépit de sa prestation grandiloquente, déguisé en Freddie Mercury, lors de l’ouverture (« Tiens, tiens, tiens, tiens, mais y a pas Adjani… »sur l’air de « Another One Bites The Dust » ce qui lui a valu un #tropdrôle de l’actrice sur Twitter), Kad Merad, chutant sur les mots et trouvant rarement le ton juste, s’est révélé plutôt décevant tout au long de la soirée. On retiendra malgré tout de cette cérémonie présidée le 22 février par Kristin Scott Thomas (déguisée en Agnès Varda) en direct de la Salle Pleyel quelques moments vraiment drôles :
Samson/AFP
Jérôme Commandeur, venu remettre le César du Meilleur montage, a suscité l’hilarité générale en rendant hommage à Betty Marmont, star imaginaire du début du siècle qui disait « Un film, c’est comme un homme, c’est quand c’est bien monté que c’est intéressant. »
L’arrivée absurde de Niels Arestrup, très renfrogné, venu remettre le César de la Meilleure adaptation sur une chanson de La compagnie Créole.
Laurent Lafitte, maquillé comme s’il était botoxé à outrance, a provoqué les rires jaunes dans le parterre des actrices, et une franche hilarité chez ses confrères. Le résultat était si bluffant que beaucoup se sont demandé si l’acteur avait sauté le pas.
Gérard Darmon, désopilant dans un sketch absurde, autoportrait en « remettant idéal choisi par le comité des César ».
Le César du Meilleur discours revient à Philippe Katerine, plus hurluberlu que jamais, qui a remercié Thierry, qu’il incarne dans Le grand bain, d’une manière irrésistible. Et de poser cette question pertinente : « Que deviennent nos personnages quand on les quitte ? »
Photo Olivier Corsan/LP
Plus embarrassant…
La remise du César du Public au film Les Tuche 3, d’Olivier Baroux, laisse songeur. Ok ! Tant mieux pour l’équipe et les fans ! Mais était-il besoin de faire monter les acteurs sur scène et de remettre le prix par le père de Kad Merad, façon fête de famille.
Le cinéaste japonais Hirokazu Kore-eda, réalisateur d’ Une affaire de famille, en lice pour les Oscars, étant à Los Angeles, avait pourtant laissé des consignes (dont un discours) à son équipe française en cas de victoire, mais personne n’est venu chercher son César du Meilleur film étranger. Le lauréat de la Palme d’or de Cannes 2018 s’en est désolé et excusé dans les colonnes du Figaro, qui a publié son discours de remerciement le lendemain de la cérémonie.
La légende vivante Robert Redford, venue recevoir un César d’honneur, a évoqué ses souvenirs de jeunesse en France d’une manière un tantinet soporifique. Le sketch diffusé en amont, dont il était le héros, était bien plus réussi.
@Vu/Benaroch/Sipa
PALMARÈS
En fait, on n’était pas là pour rigoler…
Avec dix nominations chacun, Le Grand Bain,de Gilles Lellouche et Jusqu’à la garde, de Xavier Legrand faisaient figure de favoris. Illustrant la tonalité d’une soirée placée sous le signe du social (l’époque est aux gilets jaunes… ), c’est Xavier Legrand qui a remporté la mise. Son drame sur les violences conjugales, sec et percutant, a raflé quatre César dont ceuxi du Meilleur film et de la Meilleure actrice, pour la touchante Léa Drucker. La comédie de Gilles Lellouche ne sera honorée qu’à travers la récompense dont on se réjouit, de Philippe Katerine, Meilleur acteur dans un second rôle. Force est de constater que En liberté ! l’exquise comédie de Pierre Salvadori, connaîtra un sort encore moins enviable en repartant bredouille malgré ses neuf nominations !
LP/OlivierCorsan
Autre terme entendu au cours de la soirée : la pédo-criminalité. C’est ce fléau que dénonce avec brio Les Chatouilles, autre film social qui avait obtenu un beau succès en salles en 2018. L’adaptation de la pièce autobiographique d’Andréa Bescond, réalisée par ses soins et son compagnon, Eric Métayer, s’est vue attribuer le César de la Meilleure adaptation et du Meilleur second rôle féminin, pour la toujours excellente Karin Viard, arborant un maquillage smoky du meilleur effet.
On se félicite de la victoire de Guy, d’Alex Lutz, film sur un chanteur de variété vieillissant, salué par le César de la Meilleure musique (de Vincent Blanchard et Romain Greffe), tandis qu’Alex Lutz est sacré Meilleur acteur, ce qu’il n’a pas volé. « J’aimerais qu’on n’ait pas peur et qu’on continue d’inventer parce qu’il n’y a que l’imagination et la poésie qui font du bien… »
Getty Images
Les frères Sisters(voir critique), le plus américain des films de Jacques Audiard, a fait main basse sur les César de la Meilleure réalisation, Meilleure photo, Meilleur son et Meilleurs décors, ne laissant que des miettes au très beau Mademoiselle de Joncquières (César des Meilleurs costumes) (voir critique). Dans un monde idéal, Cécile de France aurait été sacrée Meilleure actrice pour sa performance.
Contant l’histoire d’amour entre deux gamins des rues de la banlieue de Marseille, Shéhérazade, de Jean-Bernard Marlin, avait été plébiscité par la critique lors du dernier festival de Cannes. Il a logiquement été sacré Meilleur Premier film. Dylan Robert et Kenza Fortas, ses deux acteurs principaux, non-professionnels, ont remporté les César des Meilleurs espoirs.
On regrettera quand même l’absence de bons et très beaux films parus en 2018, et encensés par la critique, tels Mes Provinciales, de Jean-Paul Civeyrac ou Mektoub My Love : Canto Uno, d’Abdellatif Kechiche, qui révélaient une brochette de jeunes acteurs talentueux, dont seule Ophélie Bau, formidable dans Mektoub My Love, a été saluée par une nomination au César du Meilleur espoir.
@PathéDistribution
Et aussi
Pour avoir suivi durant trois ans la juge Anne Gruwez, Jean Libon et Yves Hinant remportent le César du Meilleur documentaire pour Ni juge ni soumise, premier long-métrage de l’émission culte belge StripTease.
Réalisé par Michel Ocelot, le papa de Kirikou, Dilili à Parisobtient le César du Meilleur film d’animation.
Et enfin, le César AFAP du plus beau look est attribué à la scintillante Virginie Efira
Oscars 2019
Kevin Winter/Getty
« Un point pour ceux qui sont un peu perdus : Il n’y aura pas de maître ni de maîtresse de cérémonie ce soir. Il n’y aura pas de catégorie ‘films populaires’. Et le Mexique ne paiera pas pour le mur. »
Le moins qu’on puisse dire, c’est que la 91èmecérémonie des Oscars, qui s’est déroulée le 24 février au Théâtre Dolby de Los Angeles, ne restera pas non plus dans les annales. Le maître de cérémonie aurait dû être Kevin Hart, mais après la polémique suscitée par la remontée d’anciens tweets homophobes que l’humoriste avait posté en 2009 et 2011, l’Académie a décidé de se passer carrément de chef d’orchestre, laissant les intervenants se succéder avec plus ou moins de bagout. Et après une introduction de Queen avec au micro le chanteur Adam Lambert (pas toujours juste), les trois premières remettantes, les humoristes Tina Fey, Maya Rudolf et Amy Poehler ont bien tenté de mettre un peu de peps, mais l’ambiance est très vite retombée.
Kevin Winter/Getty
PALMARÈS
Après les critiques des années précédentes, force est de constater que les nominations et le palmarès de cette année ont célébré la diversité, artistes afro-américains et latino-américains en tête.
Sans surprise, même si Roma, d’Alfonso Cuaron et La favorite, de Yorgos Lanthimos faisaient office de favoris avec dix nominations chacun, l’Oscar du Meilleur Film est allé à Green Book, sur les routes du sud, de Peter Farrelly, sorte de Driving Miss Daisy qui narre l’amitié entre un chauffeur italo-américain chargé de conduire un pianiste de jazz noir, Don Shirley, durant sa tournée dans le sud ségrégationniste. Le film remporte aussi les Oscars du Meilleur scénario original et du Meilleur second rôle masculin. C’est la deuxième fois que le surdoué Marhershala Ali, star de la troisième saison de True Detective, est récompensé dans cette catégorie, après son rôle dans Moonlight en 2017.
Le cas Spike Lee
« Every time somebody is driving somebody, I lose ! »
Ce n’est pas tant le fait de ne pas avoir obtenu la récompense suprême qui a agacé Spike Lee, en compétition lui aussi pour l’Oscar du Meilleur film avec BlacKkKlansman (en 1990, l’année du triomphe de Driving Miss Daisy, son film Do The Right Thing était reparti bredouille). On a en effet vu le réalisateur manquer de s’étrangler de rage à l’annonce du lauréat. Il a alors tenté de quitter la salle, mais refoulé par la sécurité, il est revenu s’assoir pour entamer une discussion intense avec son confrère Jordan Peele, réalisateur de Get Out, lui aussi fervent défenseur de la cause noire. Le film de Peter Farrelly a en effet de nombreux détracteurs dans la communauté noire, et en particulier dans la famille du pianiste Don Shirley, qui a accusé le film, dont le scénario a été écrit par un blanc, d’être « une symphonie de mensonges », ce que Viggo Mortensen a réfuté dans les médias.
« Let’s do the right thing ! »
Un peu plus tôt, Spike Lee avait reçu l’Oscar du Meilleur scénario adapté, pour BlacKkKlansman, une plongée dans l’Amérique raciste des années 70 dans laquelle un officier noir intente d’infiltrer le Ku Klux Klan pour mettre à jour ses exactions. C’est le premier Oscar obtenu par le brillant cinéaste, qui s’est littéralement jeté de bonheur dans les bras de Samuel L. Jackson. Il est quand même évident que le film de Spike Lee aurait pu prétendre à la récompense suprême. Sur un même sujet, il est dommage que les votants aient donné la préférence à la plus consensuelle des deux œuvres. Fidèle à lui-même Spike Lee a livré un discours engagé :
« L’élection présidentielle de 2020 est toute proche. Mobilisons nous, soyons tous du bon côté de l’histoire. Choisissons l’amour au lieu de la haine. Faisons la chose juste ! »
« Les enfants, j’espère que vous êtes devant la télé, parce que ça ne se reproduira pas ! »
La Favorite(voir critique), encensée depuis sa parution sur les écrans, n’a pas réussi le même tour de force qu’au BAFTA (les Oscars britanniques) début février, où le film avait raflé sept trophées dont celui du Meilleur film britannique. Un seul Oscar est venu saluer la tragi-comédie de Yorgos Lanthimos. Damant le pion à sa consœur américaine Glenn Close (qui échoue pour la septième fois aux Oscars…), Olivia Colman a légitimement été couronnée Meilleure actrice pour sa performance réellement bluffante. Son discours, entre rires et larmes, a littéralement illuminé la soirée.
Lui aussi avait triomphé aux BAFTA (et aux Gloden Globes). Rami Malek reçoit l’Oscar du Meilleur acteur pour son incarnation jubilatoire de Freddie Mercury dans Bohemian Rhapsody (voir critique). Le film de Bryan Singer, controversé sur le plan historique, remporte également les Oscars du Meilleur montage, montage sonore, et mixage sonore.
Roma : Mexican power
Et donc, le Mexicain Alfonso Cuarón n’a pas été pénalisé pour avoir choisi la plate-forme vidéo Netflix comme producteur/diffuseur de son bijou en noir et blanc, quasi-autobiographique. Cette chronique du quotidien d’une jeune employée de maison à Mexico (dont Roma est un quartier) durant les années 70 lui vaut l’Oscar du Meilleur réalisateur, mais aussi de la Meilleure photographie (il est le directeur photo du film) et du Meilleur film étranger. Déjà lauréat de deux Oscars (réalisations et montage) pour Gravity en 2014, Alfonso Cuarón peut désormais aligner quatre statuettes sur sa cheminée. Et ce n’est sûrement pas fini. Pour rappel, Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick ou John Cassavetes n’en ont pas décroché un seul…
Comme Thierry Frémaux, on peut néanmoins s’interroger sur la présence aux Oscars d’un film uniquement diffusé sur une plate-forme vidéo. Steven Spielberg lui-même s’en est affligé il y a quelques jours, suscitant une vaste foire d’empoigne sur Twitter entre les pro-Netflix (arguant du fait que la plate-forme propose de financer des œuvres qui n’existeraient pas sans elle), et les puristes pour qui un film doit se voir au cinéma avant tout.
« Dieu est amour »
Après avoir obtenu un Golden Globe, la pétillante Regina King reçoit l’Oscar du Meilleur second rôle féminin pour sa performance dans If Beale Street Could Talk en remerciant sa mère et… Dieu.
Valerie Macon/AFP/Getty
Discrimination positive
On notera le succès de Black Panther. Sur les sept nominations (très étonnant pour un divertissement très très très léger, qui disons le tout net, n’avait rien à faire ici), le film Marvel de Ryan Coogler a obtenu les Oscars de la Meilleure musique (Ludwig Göransson), Meilleurs décors et Meilleurs costumes.
Les grand perdants
Malgré ses huit nominations A Star Is Born, de Bradley Cooper, ne repart qu’avec l’Oscar de la Meilleure chanson (« Shallow »co-écrite par Lady Gaga) que Lady Gaga et Bradley Cooper ont interprété avec beaucoup d’émotion au cours de la soirée. Camouflets pour Vice d’Adam McKay qui n’est salué que pour les Meilleurs maquillages, ainsi que pour First Man, la merveille de Damien Chazelle, qui n’obtient qu’un Oscar, pour les Effets spéciaux (voir critique).
Et dans cette soirée où les légendes Barbra Streisand et Bette Midler étaient de sortie, l’Oscar du plus beau look AFAP est attribué à Brie Larson (en Céline par Hedi Slimane). Frazer Harrison/Getty
Razzies 2019
Le 23 février, la veille des Oscars, avait lieu la cérémonie des Razzie Awards, qui récompense le pire du cinéma.
Le Razzie du Pire Film de 2018 a été attribué à Holmes & Watson, d’Etan Coen, qui remporte également les trophées du Pire Réalisateur, Pire Second rôle masculin (John C. Reilly), et du pire remake.
Melissa McCarthy s’est vue couronnée du Razzie de la Pire actrice de l’année pour son rôle dans Carnage chez les Puppets, de Brian Henson.
Et le Pire Acteur de 2018 n’est autre que Donald Trump pour sa piètre performance dans le documentaire Fahrenheit 9/11 de Michael Moore.
A l’affiche au Studio du Havre ce mois-ci, deux films rares et inédits, l’un récent, l’autre pas. Winter Brothers, réalisé en 2017 par Hlynur Palmason, est une curiosité venue du froid et un choc esthétique qui n’a laissé indifférents ni le public ni la critique. Quant au Funérailles des roses, de Toshio Matsumoto, cultissime œuvre transgressive de la contre-culture japonaise de la fin des années 60, il est, pour la première fois en France, projeté en version restaurée 4K.
« Tu ne pourrais pas être comme tout le monde ? – Pourquoi ? »
Winter Brothers (Vinterbrødre)
Hlynur Palmason 2017
Sur les écrans français en février 2018
Prix du Meilleur acteur au festival de Locarno 2017
Grand Prix du Jury Longs-Métrages Européens au festival d’Angers 2018
Au cœur de la forêt danoise où l’hiver s’est installé, une gigantesque mine de calcaire est le théâtre du quotidien, rythmé par une routine pesante, des hommes qui y travaillent, tels Johan (Simon Sears) et son frère Emil (Elliott Crosset Hove). A cause de son caractère bizarre, ce dernier est mis à l’écart par ses collègues auxquels il ne s’adresse que pour leur vendre un alcool frelaté qu’il confectionne à partir de produits chimiques volés à l’usine. Son cas va encore s’aggraver lorsqu’un des mineurs est conduit à l’hôpital dans un état critique…
Expérience sensorielle aussi éblouissante que déstabilisante, Winter Brothers, depuis sa parution en 2017, a emballé public et critique dans tous les festivals. Quasi-muet et quasi-monochrome — le blanc du calcaire et celui de la neige se confondent constamment — le film est l’œuvre du jeune plasticien islandais Hlynur Palmason, qui a choisi de privilégier ici les aspects visuel et organique au détriment de la narration. Soutenu par la musique (bruits industriels et naturels) du Danois Toke Brorson Odin, ce portrait d’un homme en manque d’amour, dont le comportement tient à la fois de l’idiot du village, d’un gosse facétieux et d’un animal blessé, déconcerte parfois, mais fascine souvent. Avec ses faux airs de Buster Keaton et Stan Laurel, les yeux constamment écarquillés, Elliott Crosset Hove émeut dans la peau de cet être solitaire, fantasque, mal aimé, étranger à ceux qui l’entourent, et qui ne respecte aucune règle, ni familiale ni sociale ni de décence. Seuls les contacts avec une jeune fille, objet de ses fantasmes, qu’il observe et convoite en cachette, et le visionnage de cassettes vidéo d’instruction militaire, semblent lui procurer un peu de sérénité. Ce film en immersion, oppressant, n’est pas sans rappeler l’impressionnant Le fils de Saul (les deux œuvres ont en outre des affiches assez similaires). Ici, le climax est un règlement de comptes entre les frères nus : un corps à corps primitif et intense qui parvient à remettre, de façon inattendue, de l’humain dans ce tableau infiniment vain et sublimement désespéré. 1h 34 Et avec Lars Mikkelsen, Victoria Carmen Sonne, Peter Plaugborg, Michael Brostrup…
Au Studio du 20 février au 5 mars 2018 Séance spéciale lundi 25 février, présentation par Havre de Cinéma
Toshio Matsumoto 1969
Sur les écrans français à partir du 20 février 2019
En 1969 à Tokyo, Eddie (Peter), jeune et très jolie drag-queen (sous influence Edie Sedgwick), est la favorite de Gonda (Yoshio Tsuchiya, le Rikichi des Sept Samouraïs) propriétaire du Bar Genet où elle travaille. Cette relation provoque la jalousie de Leda (Osamu Ogasawara), maîtresse officielle de Gonda, drag-queen plus âgée et matrone du bar. Tandis que les deux amants se demandent comment se débarrasser de cette dernière, Eddie est constamment hantée par son passé violent…
Les funérailles des roses débute par une citation des Fleurs du mal de Baudelaire « Je suis la plaie et le couteau… et la victime et le bourreau ». Son réalisateur, Toshio Matsumoto (1935-2017), pionnier du cinéma expérimental japonais, a été inspiré, comme beaucoup de membres de la Nouvelle Vague nippone dont il était un peu l’électron libre, par la culture française. Il a revendiqué l’influence de Jean Genet, Jean Cocteau et Alain Resnais (notamment Hiroshima mon amour et L’Année dernière à Marienbad). Ce long-métrage, l’un des rares qu’il ait réalisé (l’essentiel de sa filmographie comprend surtout des courts et des documentaires), est également parsemé de citations ou de clins d’œil à la culture occidentale de l’époque (Jonas Mekas, Le Clézio, Les Beatles, Che Guevara, Pasolini, Warhol… ). L’histoire d’Eddie, gay boy et travesti, sert de fil rouge à cette évocation psychédélique du mythe d’ Œdipe, dont la narration éclatée en appelle à des audaces stylistiques caractéristiques des films expérimentaux (surimpression, distorsion de l’image, solarisation). Pour autant, les flashbacks, flashforwards, séquences en accéléré (conférant un aspect résolument burlesque, et qui dit-on, auraient influencé Stanley Kubrick pour son Orange mécanique), bande-dessinée ou insertions de scènes incongrues, telle cette manifestation politique muette en pleine rue effectuée par un groupe de happening, ne nuisent jamais à la compréhension de cette tragédie aux allures de puzzle, très aboutie. Parallèlement aux tribulations d’Eddie (campée par le fascinant acteur travesti Peter — ou Pita — que l’on retrouvera, entre autres, dans Ran de Kurosawa), on suit un tournage de documentaire sur la faune homosexuelle tokyoïte par une équipe de cinéma underground. Un parti-pris qui constitue une formidable mise en abime : les jeunes gens interviewés, acteurs du film ou anonymes, répondant avec une naïveté et franchise désarmantes. Cette manière d’aborder les questions existentielles des jeunes travestis, fiers de l’être mais conscients de vivre en marge, est toujours respectueuse et jamais vulgaire. Et lorsque Matsumoto filme les corps nus et les scènes d’amour, c’est également en esthète. On est subjugué par la beauté des plans et de la photo (en noir et blanc sublimement contrasté). Pour toutes ces raisons, il faut (re)découvrir d’urgence cette œuvre foisonnante et incroyablement avant-gardiste, qui s’achève sur cette phrase implacable : «C’était un film unique en son genre, mêlé de cruauté et d’humour. » 1h 48 Et avec Yoshimi Jô, Flamenco Umeji, Saako Oota, Toyosaburo, Uchiyama…
Au Studio à partir du 20 février 2019 Séance spéciale le vendredi 22 février, présentation du film par les associations La Poudrière et Cannibale Peluche
