LAURA ANTONELLI N’EXISTE PLUS

Ce n’est pas un scoop, L’Équipe a longtemps été l’un des journaux les mieux écrits de France. Il ne s’agit pas seulement pour ces rédacteurs de décrire le beau geste ou la liesse des supporters. Ce métier nécessite une connaissance aiguë de la nature humaine. Le sport est un mélange de passion, de discipline, de dépassement de soi, de courage mais aussi de douleur et d’amertume. Il y a du romantisme là-dedans. Tout comme son aîné feu Antoine Blondin, et son collègue Vincent Duluc — spécialiste du foot qui vient de publier une biographie romancée de Carole Lombard et Clark Gable, Philippe Brunel, était, jusqu’à l’été 2020, une plume de L’Équipe. Il a quitté le journal après quatre décennies de bons et loyaux services consacrées à ennoblir le cyclisme, sa passion. L’homme sait raconter les histoires, qui, souvent, finissent mal. Il a signé les essais Vie et mort de Marco Pantani (Grasset, 2009) et Rouler plus vite que la mort (Grasset, 2018). Côté romans, on lui doit déjà La nuit de San Remo (Grasset, 2012), qui revenait sur le suicide présumé du jeune Luigi Tenco, beau chanteur italien et amant de Dalida, retrouvé mystérieusement mort d’une balle dans la tête dans sa chambre d’hôtel en 1967, lors du festival de San Remo. Avec Laura Antonelli n’existe plus, Philippe Brunel explore à nouveau un mythe de l’Italie, sa seconde patrie, et rend un hommage poétique à celle qui fut un sex-symbol des seventies, et dont la destinée fut aussi cruelle que tragique.

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Passion d’amour (Passione D’Amore) d’Ettore Scola (1981)

« On n’est jamais à l’abri de rater sa vie. L’abîme est toujours proche. Un jour, tout se désagrège, s’anéantit dans le vide sans qu’on n’y puisse rien. »

 

 

LAURA ANTONELLI N’EXISTE PLUS

Roman de Philippe Brunel
Publié chez Grasset le 3 février 2021

 

À la suite du coup de fil énigmatique d’un producteur, le narrateur embarque pour Rome investi d’une obscure mission : retrouver Laura Antonelli, l’actrice solaire, oubliée, dont Visconti disait qu’elle était « la plus belle femme du monde »…

Il Maestro, qui lui avait offert en 1976 sont plus beau rôle, dans L’Innocent, disait aussi qu’elle avait « un visage d’ange sur un corps de pécheresse ». Et cela pour son malheur. L’un des films dans lesquels elle a tourné, signé Luigi Comencini, s’intitule Mon Dieu, comment suis-je tombée si bas ? Un titre prémonitoire… Laura Antonelli était née Laura Antonaz en 1941 à Pola, en Istrie alors italienne, (aujourd’hui croate). Sa famille, comme bon nombre de familles italiennes d’Istrie après la Seconde Guerre mondiale, est condamnée à l’exil. En 1962, après des études supérieures à Naples et avec un diplôme de professeur d’éducation physique en poche, Laura s’installe à Rome. Elle passe moins de temps à enseigner qu’à tourner des spots publicitaires qui vont bientôt attirer l’attention des producteurs de cinéma. Son nom d’actrice apparaît pour la première fois, en 1964, au générique de L’espion qui venait du surgelé, de Mario Bava. Ce sera la première d’une longue série de ce que Philippe Brunel décrit comme « des comédies osées, frivoles, des pochades sans prétention ». Car la puissance érotique qui émane de ses courbes et postures va faire de Laura Antonelli un sex-symbol, un fantasme, et lui valoir le surnom de « la Bardot italienne. »

Divine créature, de Giuseppe Patroni Griffi (1975)

« Laura n’a pas la splendeur sculpturale d’Anita Ekberg, la déesse païenne, phosphorescente de la Dolce Vita, ni les pâleurs diaphanes d’une Monica Vitti insatisfaite, existentialisée par Antonioni, mais elle incarnait quelque chose de plus rare, la femme du peuple « pasta e fagioli » accessible et désirable, à la beauté embarrassante, qui vous remuait les sangs. »

 

Malicia (Malizia)

 

En 1973, Malicia, de Salvatore Samperi, va même l’ériger en icône du cinéma érotique. Elle y campe une domestique fraîchement engagée par un veuf, et dont la sensualité ne tarde pas à mettre en émoi toute la maisonnée, dont un adolescent de quatorze ans. Le succès, phénoménal, va aussi cantonner la comédienne, excellente au demeurant, à ce genre de rôle. Rares sont les films qui en réchappent. On retient surtout Les mariés de l’an II de Jean-Paul Rappeneau qu’elle tourne en 1971 aux côtés de Marlène Jobert et Jean-Paul Belmondo (qui sera son compagnon durant huit ans), Sans Mobile apparent de Philippe Labro, L’innocent, et Passion d’amour d’Ettore Scola. Après avoir connu l’ivresse de la gloire durant la décennie 70, Laura Antonelli va peu à peu basculer du côté obscur au cours de la suivante. La chute sera inexorable.

Les mariés de l’an II de Jean-Paul Rappeneau (1971)

Avec Jean-Paul Belmondo au Festival de Cannes en 1974

L’innocent (L’innocente) de Luchino Visconti (1976)

Péché véniel (Peccato Veniale) de Salvatore Samperi (1974)

 « La mélancolie, c’est comme une maladie, on ne s’en débarrasse jamais… »

En 1991, elle est arrêtée pour possession de cocaïne et fait la une de la presse à scandale. Cette exposition malsaine lui vaut d’être sollicitée pour reprendre son rôle de soubrette dans le piètre remake de Malicia, Malicia 2000, paresseusement réalisé par le même Salvatore Samperi. Sur le tournage, des injections de collagène destinées à atténuer ses rides vont lui provoquer une allergie si sévère qu’elle sera quasiment défigurée. Laura Antonelli, fragile, mal entourée, va dès lors entamer une lente descente aux enfers. Elle s’isole, se débarrasse de tous ses biens matériels et se tourne vers la religion. Jusqu’à sa mort, survenue en 2015 (à soixante-treize ans), elle vivra en ermite, méconnaissable, dans un modeste deux-pièces de Ladispoli, ville côtière à quarante kilomètres de Rome.

Voyage en Italie

Au moment où Philippe Brunel écrit le livre, Laura Antonelli est encore de ce monde. Au dernier journaliste qui avait souhaité la rencontrer elle avait répondu : « Laissez-moi. Laura Antonelli n’existe plus. » Le récit de cette quête fiévreuse transporte dans une Italie écrasée de soleil, des plages de Maccarese à Ladispoli en passant par la villa de Cerveteri, autrefois demeure de l’actrice et de tous les scandales. Les quartiers de Rome n’ont pas de secrets pour l’auteur. On y croise les fantômes de Luchino Visconti, Danilo Donati, Pier Paolo Pasolini, Alida Valli, Anna Magnani, mais aussi des amis de Laura Antonelli, tel Marco Risi, fils de Dino, ou l’acteur Lino Banfi. Toutes ces rencontres, ces rendez-vous dans des lieux insolites parfois, finissent par lever le voile sur le mystère Laura Antonelli. À l’expérience de journaliste viennent se mêler les souvenirs de jeunesse. La plume à la fois alerte et poétique de Philippe Brunel bouleverse et tient le lecteur en haleine. Jusqu’à la fin, le suspense est total.

 

« Je n’ai toujours pas résolu ce qui m’attirait dans cette histoire, au-delà de cette fascination qu’on éprouve devant l’absurdité de notre présence au monde… »

Laura Antonelli

ANNIE GIRARDOT : Vivre pour Vivre

Au début des années 70, elle était la Meryl Streep du cinéma français. Et puis, ça c’est gâté. Comme sa consœur américaine, la popularité d’Annie Girardot s’est retournée contre elle. Trop présente sur les écrans, accumulant les mauvais choix et les films indignes de son talent, elle est passée de star à has-been, avant que la maladie d’Alzheimer, diagnostiquée à la fin des années 90, achève, sur une note encore plus tragique, la carrière et la vie tumultueuse de cette comédienne pourtant magnifique, qui restera comme la plus attachante du cinéma hexagonal.

Pour célébrer les dix ans de sa disparition (le 28 février 2011), différentes chaînes (Paris Première, France 5, Ciné+…) vont diffuser les plus remarquables des films dans lesquels elle a tourné ; parmi ceux-ci, Rocco et ses frères, de Luchino Visconti, le chef-d’œuvre qui a lancé sa carrière.

 

Après Visconti, c’est probablement Claude Lelouch qui a su le mieux mettre en valeur Annie Girardot, et notamment dans deux films extraordinaires : Vivre pour vivre (1967) et Un homme qui me plaît (1969). Il y avait quelque chose de Cassavetes filmant Gena Rowlands chez Lelouch filmant Annie Girardot ; lorsqu’il était question de montrer les émotions, l’actrice française était de cette trempe-là. La preuve :

 

Comme d’autres comédiennes de son temps, Annie Girardot a poussé la chansonnette. Polydor publie pour la première fois en France et à l’occasion des dix ans de la disparition de l’actrice, le vinyle Vivre pour Vivre, paru en 1967 uniquement au Canada. Il regroupe des chansons écrites par la romancière Françoise Dorin et mises en musique par Jean-Loup Chauby, ou par le tandem Charles Level-Roland Vincent (dont la très belle Ça m’empêche de dormir), et bien sûr Vivre pour Vivre, de Pierre Barouh et Francis Lai. Rien, peut-être, d’aussi mémorable que La chanson d’Hélène de Romy ou La Madrague de BB, mais on retrouve ici tout le tempérament de cette actrice intense et inoubliable.

3 X GREGORY PECK (BR/DVD Le pays de la violence, La cible humaine, Les Bravados)

Photo Eileen Darby/The Life/Getty (1946)

 

Quel acteur étrange et fascinant que Gregory Peck ! Il semble à l’écran toujours embarrassé par son physique avantageux. Grand, athlétique, il n’éprouve nul besoin de rouler des mécaniques comme Charlton Heston, son partenaire de l’épatant Les grands espaces (The Big Country). Il ne suscite pas non plus la sympathie immédiate comme un James Stewart ou un Robert Mitchum. S’il a souvent été critiqué pour son jeu singulier, sa raideur et son manque de naturel, c’est que, chez lui, tout est intérieur. Gregory Peck prise les antihéros et excelle dans les personnages tourmentés. Son jeu à l’économie rejaillit sur ses films, qu’il rend « spéciaux », et qui deviennent presque un genre à part entière. Durant toute sa vie, ce progressiste dans l’âme, démocrate engagé épris de justice, a personnifié la droiture morale et l’élégance (comme par hasard, il était l’ami d’Audrey Hepburn…). Et même s’il a brillé en crapule dans Duel au soleil et Ces garçons qui venaient du Brésil, le rôle qui lui colle à la peau restera celui d’Atticus Finch, l’avocat valeureux de Du silence et des ombres… (To Kill a Mockingbird), le film dont il était le plus fier et qui lui a valu l’Oscar en 1963. Trois joyaux de la filmographie de cette icône hollywoodienne, un contre-emploi et deux quasiment sur mesure, sont disponibles en Blu-ray et DVD chez Sidonis Calysta dans des éditions remarquables.

 

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I keep a close watch on this heart of mine
I keep my eyes wide open all the time
I keep the ends out for the tie that binds
Because you’re mine, I walk the line…
Johnny Cash

  

LE PAYS DE LA VIOLENCE (I Walk The Line)

John Frankenheimer
1970
Edition Collector Combo DVD + Blu-ray + Livre disponible chez Sidonis Calysta depuis le 5 décembre 2020

Henry Tawes (Gregory Peck) est le shérif respecté d’une petite bourgade rurale du Tennessee où il ne se passe pas grand-chose. Réputé pour sa rigueur, sa droiture et son sens moral, cet homme marié et père d’une adolescente est en fait las de son existence routinière, de son couple, et aspire à autre chose. Sa rencontre avec la jeune et jolie Alma McCain (Tuesday Weld), fille d’une famille de bootleggers récemment arrivés dans le comté, va remettre sa vie en perspective…

Le générique d’ouverture est à lui seul un petit bijou. Tandis que résonne la chanson de Johnny Cash qui a donné son titre au film en version originale, on découvre la bourgade de Gainesboro (à une heure et demie de Nashville) et ses habitants. Ces adultes, vieillards et enfants miséreux et désœuvrés sont le visage de l’Amérique profonde marquée par la Grande Dépression, où le temps semble s’être arrêté. Pour ces séquences criantes de vérité filmées au téléobjectif et au débotté, John Frankenheimer s’est inspiré du travail de la célèbre photographe Dorothea Lange. Dans le film, adapté du roman An Exile, du romancier du cru Madison Jones, cet environnement désenchanté est celui de Henry Tawes, shérif sage et respecté des lieux. Flanqué d’un adjoint vulgaire et fouineur (Charles Durning), d’une épouse dévouée mais qu’il n’aime plus (touchante Estelle Parsons), cet homme au bord de l’implosion continue malgré tout à faire preuve de conscience professionnelle. La rencontre avec la solaire Alma va déclencher un séisme. I Walk The Line, titre à double-sens, narre la chute d’Henry Tawes, qui se confond pour les spectateurs avec celle de la figure iconique de son interprète, défenseur des valeurs morales et image de la décence par excellence. Ironie de l’histoire, Frankenheimer aurait préféré Gene Hackman, avec qui il était davantage en connivence, mais la Columbia lui a imposé Peck. Le réalisateur, mécontent du travail de ce dernier sur le film – le jugeant trop raide –, lui en attribuera l’échec. C’est pourtant tout le contraire. Gene Hackman, génial acteur au demeurant, aurait été bien trop déchiffrable. Voir le noble Gregory Peck sortir de sa zone de confort pour jouer ce personnage désespéré et amoureux transi (d’une très jeune fille, qui plus est) rend Henry Tawes encore plus juste. Mal à l’aise, mutique, il est bouleversant. Le comédien conservera lui aussi une certaine amertume vis-à-vis de ce rôle, aux antipodes de sa personnalité, qui, en prime, lui vaudra à l’époque un vrai rejet de la part du public. Après des années de purgatoire, Le pays de la violence — titre français sujet à caution, mais, pourtant pertinent, choisi par Bertrand Tavernier lors de la première projection en France – a aujourd’hui été réhabilité par la critique, tout comme le film précédent de Frankenheimer — le formidable Les parachutistes arrivent (The Gypsy Moths) — avec lequel il partage de nombreuses similitudes. La mise en scène inventive, la profondeur des personnages, le caractère imprévisible de l’intrigue, tout sauf consensuelle, et la peinture pleine d’humanité des habitants de cette petite ville sans perspective, en font une œuvre cruelle, pertinente et passionnante. Les chansons ad hoc, signées Johnny Cash, écrites et composées spécialement pour le film (même I Walk The Line, enregistrée en 1956, est ici augmentée d’un couplet), sont en quelque sorte la voix intérieure d’Henry Tawes. Et puis, ce film « maudit » permet de redécouvrir aussi Tuesday Weld, « l’ange sauvage d’Hollywood » ainsi que la surnomme Olivier Père (auteur du livret de cette édition), actrice oubliée mais douée, qui campe avec brio cette lolita de campagne toute en fragilité et ambivalence.
1 h 37 Et avec, Ralph Meeker, Jeff Dalton, Lonny Chapman, Freddy McCloud…

 

TEST ÉDITION COLLECTOR COMBO

Interactivité *****
Du lourd ! Dans le DVD comme le Blu-ray, le film est enrichi d’une présentation pertinente et truffée d’anecdotes de Thierry Frémaux, qui retrace le destin de ce film mal aimé de son réalisateur, et revient sur l’implication de Bertrand Tavernier qui s’est acharné à le faire découvrir en France (30 mn). Le critique Jean-Baptiste Thoret, grand amoureux du cinéma américain des 70’s fournit un commentaire audio sur des scènes clés (20 minutes). Côté archives, on trouve un court making of et la bande-annonce d’époque, Johnny Cash chantant « The City Of New Orleans » dans le clip Riding The Rails (1974), et deux prestations live du musicien, interprétant deux morceaux du film « I Walk The Line » et « Flesh And Blood ». Enfin, le livre de 96 pages (illustré d’affiches et de photos d’archives), dont 30 sont signées par le critique et journaliste Olivier Père – actuel directeur d’Arte France Cinéma –, est un bonheur. Il revient sur l’histoire du tournage ainsi que sur les carrières de Frankenheimer, Gregory Peck et Tuesday Weld. Le livre se clôt sur une longue interview du réalisateur réalisée par Bertrand Tavernier et Michel Ciment, parue dans le numéro 122 de Positif en décembre 1970.

Image ***
Format : 2.35
Ne pas s’attendre à la restauration du siècle. L’image proposée par le Blu-ray résulte d’un master ancien, probablement le seul à ce jour. La qualité de la définition varie d’une séquence à l’autre mais rien cependant qui n’altère le plaisir de découvrir le film, d’autant que l’ensemble reste très propre

Son ***
DTS-HD Master Audio 2.0 en VOST et français
Idem côté sonore. Une piste stéréo qui ne fait pas de vagues, mais très convenable vu l’âge du film.

 

 

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« What about my boy ? Does he think I’m a hero ?
– No, matter of fact, I heard he’s a Wyatt Earp man. »

 

LA CIBLE HUMAINE (The Gunfighter)

Henry King
1950
Combo DVD + Blu-ray disponible chez Sidonis Calysta

Jimmy Ringo (Gregory Peck) a la réputation d’être le tireur le plus rapide de l’Ouest. Et même s’il a tourné le dos à son passé violent, où qu’il aille, il se trouve toujours un excité pour vouloir se mesurer à lui, afin d’entrer à son tour dans la légende. Las de fuir d’une ville à l’autre, Jimmy aimerait renouer avec son épouse Peggy (Helen Westcott) qu’il a abandonnée il y a quelques années, et faire enfin la connaissance de son jeune fils. Mais alors qu’il se rend à Cayenne pour la retrouver, il fait escale dans un saloon et est provoqué par un jeune irresponsable. Pas de chance, ce dernier avait trois frères. Ceux-ci ne tardent pas à se lancer à sa poursuite avec la ferme intention de le venger…

Après Un homme de fer (Twelve O’Clock High), La cible humaine (parfois titré en français L’homme aux abois) est la deuxième collaboration de Gregory Peck et du cinéaste Henry King, qui feront encore quatre films ensemble, dont Bravados, autre western atypique. L’acteur prendra en quelque sorte le relais de Tyrone Power, qui était jusqu’ici le comédien fétiche du réalisateur. Le jeu détaché de Peck, à l’économie, convenait idéalement à King. Son interprétation de cet homme traqué, qui guette constamment la mort, n’en est pas moins saisissante. Le personnage de Jimmy Ringo est un clin d’œil au véritable hors-la-loi Johnny Ringo, mais l’idée du film est plus pittoresque. Elle est venue au célèbre réalisateur André De Toth. Dans le sensationnel livre d’entretiens Amis américains de Bertrand Tavernier, De Toth raconte qu’il avait remarqué, lors de ses virées dans les bars avec Errol Flynn ou Humphrey Bogart, que ceux-ci étaient constamment provoqués par de jeunes écervelés. De Toth y a vu une similitude avec ce que devaient vivre, au quotidien, les as de la gâchette du vieil Ouest. Avec son scénariste de talent William Bowers, le réalisateur rédige un premier synopsis de The Gunfighter et songe à Gary Cooper. Hélas Coop’, contrairement à De Toth, n’est pas en contrat avec Darryl Zanuck. Ce dernier, refusant de dépenser un centime pour débaucher l’acteur, lui impose Gregory Peck. Pour De Toth, ce comédien à l’allure de professeur est un choix rédhibitoire, une erreur de casting. Il ne tarde pas à claquer la porte, laissant la responsabilité du projet à Bowers qui, dès lors, va collaborer avec le cinéaste Henry King, amené sur le projet par Gregory Peck. Tourné en noir et blanc, La cible humaine a une beauté crépusculaire qui resplendit dès le générique. Épuré, intelligemment mis en scène, le film, dénué de musique, démystifie le hors-la-loi et joue la carte du réalisme (King s’est inspiré de tableaux des peintres de l’Ouest américain, comme Frederic Remington), ce qui le rend également incroyablement moderne. Aujourd’hui considéré comme un chef-d’œuvre, ce western a pourtant fait un four auprès du public. En cause : la moustache de Gregory Peck, idée du scénariste William Bowers et qui avait enthousiasmé l’acteur, mais n’a pas été du goût de ses fans.
1 h 25 Et avec Millard Mitchell, Jean Parker, Karl Malden…

 

 COMBO Blu-ray + DVD 

Le film ici dans une version récemment restaurée et de toute beauté, est assorti d’une formidable présentation par Bertrand Tavernier (26 minutes), grand admirateur de King Vidor (« le cinéaste le plus sentimental du cinéma américain mais dénué de sensiblerie ») et du travail de Gregory Peck, qui raconte avec passion l’histoire de ce tournage. Complémentaire, Patrick Brion arrive en renfort pour évoquer lui aussi ce qu’il considère comme un chef-d’œuvre du western, souvent comparé au fameux Le train sifflera trois fois. Détail amusant, la bande-annonce d’époque est présentée par Gene Tierney.

 

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« C’est gâcher de la bonne charpente, un arbre aurait aussi bien fait l’affaire.
– Ils sont condamnés à être pendus, pas à être lynchés. »

 

LES BRAVADOS (The Bravados)

Henry King
1958
Combo Blu-ray + DVD + Livre disponible chez Sidonis Calysta

Le mystérieux Jim Douglass (Gregory Peck) arrive dans la petite ville de Rio Arriba, près de la frontière mexicaine, la veille de la pendaison de quatre malfrats qui ont attaqué la banque et tué un des employés. Les habitants et le shérif le prennent d’abord pour le bourreau dont ils attendent la venue, puis s’interrogent sur ses motivations. Jim dit vouloir simplement assister à l’exécution de ces meurtriers qu’il pourchasse depuis six mois. Mais alors que Jim assiste à la traditionnelle messe du soir, les bandits parviennent à s’échapper…

Comme Le gaucher et L’homme de la plaine, sur les écrans la même année, Bravados introduit une profondeur psychologique à l’imagerie du western. C’était aussi le cas huit ans plus tôt dans La cible humaine, autre collaboration de Henry King et Gregory Peck. On retrouve ici les thèmes chers au metteur en scène, un peu oublié aujourd’hui par les critiques et cinéphiles. Une désaffection due en grande partie à l’importance de la religion dans son cinéma (il est l’auteur de La vie de Bernadette) et Bravados en est également profondément marqué. Cette messe de veillée de l’exécution, qui permet aux habitants de prier pour les hommes qui vont mourir est assez symbolique. Mais comme l’a souvent souligné Bertrand Tavernier, Henry King est aussi le cinéaste de l’americana, des petites villes de l’Ouest, et ses films sont toujours empreints d’un formidable humanisme. Bravados narre la quête de vengeance d’un individu déterminé à faire justice lui-même, et qui va voir ses convictions s’effondrer. Le combat intérieur de cet homme bon qui s’est écarté de son chemin a quelque chose de fascinant. On ne dévoilera pas les rebondissements de l’intrigue, mais le twist final, plutôt bien amené, donne lieu à une scène magnifique que Gregory Peck joue avec sa sobriété légendaire. A contrario, la subtilité n’est pas le fort de Joan Collins, ici amusante en propriétaire de ranch autrefois éconduite par Jim Douglass, toute en regards énamourés. Parmi les bandits, on reconnaîtra Stephen Boyd (deux ans plus tard, il recevrait le Golden Globe du Meilleur second rôle pour Ben-Hur), le mythique Lee Van Cleef, Henry Silva, et dans un petit rôle, Joe DeRita, qui sera, dès cette année 1958, membre des Three Stooges. Enfin, il faut saluer la beauté de la photographie de Leon Shamroy. La silhouette du cavalier en nuit américaine, qui ouvre le film, est une splendeur.
1 h 38 Et avec Barry Coe, Herbert Rudley, Ken Scott…

 

 COMBO Blu-ray + DVD + Livre

Une fois n’est pas coutume, c’est le monteur Jean-François Giré et non Bertrand Tavernier qui présente le film, proposé dans cette édition dans une version de très belle facture. Il explore avec brio les thématiques de Bravados en insistant sur le caractère religieux du cinéma de King (15 minutes). Patrick Brion revient, entre autres, sur la relation fusionnelle entre le cinéaste et son interprète. On peut découvrir aussi une brève intervention de Joe Dante, qui non sans surprise, préfère les méchants du film, ainsi qu’une petite interview de Joan Collins, qui se remémore avoir été très effrayée par le fait de monter à cheval. Cette fois, la bande-annonce d’époque est présentée par Gregory Peck en personne. L’édition fournit également un livre de 90 pages truffé d’anecdotes et de photos, consacré à l’acteur en tant qu’icône du western.