ARIANE (Love In The Afternoon) Coffret Ultra Collector

La ressortie en vidéo d’un film avec Audrey Hepburn est toujours un événement. Les éditions Carlotta ont concocté un écrin magnifique pour la comédie la plus lubitschienne de Billy Wilder, tournée à Paris en 1956 et qui paraît pour la première fois en Blu-ray. On y suit les tribulations de la fille d’un détective privé qui s’éprend du playboy milliardaire de trente ans son aîné que son père est chargé de filer. À l’époque, la bande-annonce ne faisait pas dans la dentelle : « Quand une fille sans aucune expérience entre dans le jeu de l’homme le plus expérimenté au monde… » Piquante, osée et un brin nostalgique, cette comédie romantique brillamment écrite est (comme les robes de Givenchy), cousue sur mesure pour Audrey Hepburn, qui mène ici Gary Cooper par le bout du nez.

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« Tout en vous est parfait.
– Je suis trop maigre. J’ai les oreilles décollées, les dents de travers et le cou bien trop long…
– C’est possible, mais j’adore l’ensemble. »

  

ARIANE (Love In The Afternoon)

Billy Wilder
1957
En coffret Ultra Collector chez Carlotta depuis le 18 novembre, disponible en éditions Blu-ray et DVD séparées

Ariane (Audrey Hepburn), jeune étudiante au Conservatoire, est la fille de Claude Charasse, le détective privé le plus compétent de Paris (Maurice Chevalier). En cachette de son père, elle ne cesse de fouiner dans ses dossiers. Toutes ces affaires d’adultère, qu’elle considère plutôt comme des histoires d’amours contrariées, la font rêver. Un jour, elle entend fortuitement un mari trompé fou de rage (John McGiver) annoncer à son père qu’il compte tuer l’amant de sa femme. L’homme visé est Frank Flannagan (Gary Cooper), un milliardaire américain, businessman et séducteur notoire. Tout doit se passer dans la suite de ce dernier, au Ritz. Sans en toucher un mot à son père, Ariane décide d’intervenir…

Il y a comme un air d’Emily In Paris dans le prologue de cette comédie sophistiquée de Billy Wilder où la voix off de Maurice Chevalier décrit la capitale française comme « la ville de l’amour ». Trois ans après Sabrina, qui avait décroché un Oscar et cinq nominations, le génial cinéaste dirige à nouveau l’exquise Audrey Hepburn. Pour la première fois, il s’est affranchi des studios hollywoodiens et c’est en indépendant qu’il produit et réalise Love In The Afternoon (titre bien plus explicite que le chaste Ariane) pour lequel il choisit de travailler avec le scénariste I. A. L. Diamond (Chérie, je me sens rajeunir) qui deviendra dès ce tournage son collaborateur attitré. Ce brillant mathématicien d’origine roumaine (I. A. L. est l’abréviation de Interscholastic Algebra League) qui s’était détourné d’une carrière d’ingénieur pour devenir scénariste, avait un certain génie pour le comique de situation. Avec Billy Wilder, sa mécanique allait se révéler d’une efficacité redoutable. La précision de l’écriture resplendit dans cette comédie souvent poussée jusqu’à l’absurde (comme en témoigne la scène de beuverie de Flannagan, renvoyant sans cesse la table à roulettes aux musiciens tziganes). Le cinéaste s’amuse à faire du Lubitsch, son maître à penser. Mais s’il est fait des allusions aux existentialistes — en témoigne notamment ce portrait d’Ariane fait par Flannagan : « Vous avez ce côté parisien, ce ‘petit quelque chose’ dit-on Rive Gauche, ce piquant soupçon d’apéritif… » —, on peut cependant s’étonner qu’à l’aube de la Nouvelle Vague (la même année, Louis Malle tourne Ascenseur pour l’échafaud), ce film affiche un aspect incroyablement suranné. L’air de Fascination, valse tzigane composée en 1904 par Dante Pilade Marchetti, en guise de gimmick, la présence de Maurice Chevalier, les décors en trompe-l’œil d’Alexandre Trauner… cette vision nostalgique d’un Paris romanesque et qui pétille est celle que réalisateur d’origine autrichienne avait conservée de la capitale française lors de son exil en France dans les années 30, après avoir fui l’Allemagne nazie. D’ailleurs, la comédie est une adaptation du roman Ariane, jeune fille russe, de Claude Anet (auteur de Mayerling), déjà porté à l’écran en 1931 — et de manière plus crue — par Paul Czinner, compatriote de Wilder. Sous ses atours charmants, Love In The Afternoon parle de sexualité et d’une liaison entre une très jeune fille et un homme vieillissant qui pourrait être son père. Ce sujet tabou, licencieux, a fortiori dans un film hollywoodien, fit tiquer la censure, et Wilder dut manœuvrer habilement (les dialogues sont truffés de sous-entendus) et faire quelques concessions, notamment dans l’épilogue. Après Humphrey Bogart et Fred Astaire, c’est à un autre vétéran d’Hollywood que la juvénile Audrey Hepburn donne ici la réplique. Le géant Gary Cooper (deuxième choix du réalisateur qui aurait préféré Cary Grant) n’est pas franchement à l’aise dans ce rôle de vieux séducteur désabusé, même si son personnage est une émanation non fortuite de celui qu’il incarnait en 1938 dans La huitième femme de Barbe-Bleue de Lubitsch, coécrit par… Billy Wilder. L’acteur, qui avait surtout été convaincu par l’idée de tourner à Paris qu’il adorait, a malgré tout « ses petits moments », comme lors de la séquence à l’Opéra, où, par ennui, il ne peut s’empêcher de faire le clown, ou lorsqu’il passe de l’amusement à la jalousie la plus tenace. Quant à Audrey Hepburn, sublime, touchante, gracieuse — Flannagan, ignorant son nom, la surnomme « brindille » (« thin girl ») —, remarquablement mise en valeur par Wilder, elle est à elle seule un enchantement.
2 h 10 Et avec Van Doude, Lise Bourdin, Olga Valéry, Audrey Young (Madame Wilder à la ville)…

 

TEST COFFRET ULTRA COLLECTOR N° 18

Ce coffret dont le visuel est une création de Deanna Hallsall comprend l’édition Blu-ray, le DVD et un livre de 160 pages, Le romanesque triomphant : Ariane de Billy Wilder. Il est constitué de plusieurs interviews, analyses et critiques parues dans Positif depuis les années 70 mettant en lumière le film et le travail de Billy Wilder.

Interactivité ***
Le programme de suppléments reprend peu ou prou celui du DVD de 2009 (le visuel des éditions simples est également le même) et y ajoute un inédit de poids, Portrait d’un homme à « 60% parfait », documentaire sur Billy Wilder réalisé par Annie Tresgot et Michel Ciment en 1980. Ciment avait interviewé le réalisateur chez lui en Californie. Pour le reste, on retrouve le reportage instructif conduit par N. T. Binh, critique à Positif, qui se penche sur les archives papier et photos d’Ariane, conservées comme tant d’autres, à la Cinémathèque française (26 minutes). Il y interviewe également la fille de Michel Kokas, le leader du groupe de musiciens tziganes qui accompagne Flannagan partout où il se rend. Le journaliste revient ensuite sur les thèmes développés dans le film et insiste sur l’influence de Lubitsch chez Billy Wilder (26 minutes). Un entretien avec Hubert de Givenchy permet d’en savoir plus sur sa complicité avec Audrey Hepburn (9 minutes). On y apprend que sollicité pour faire les costumes de Sabrina, il avait accepté pensant qu’il allait enfin habiller Katharine Hepburn, qu’il admirait. Le charme d’Audrey a eu vite raison de son désappointement et seule la mort de l’actrice en 1993 mettra un terme à cette amitié et collaboration devenues légendaires. La bande-annonce d’époque figure également au menu et témoigne de la belle restauration du film.

Image ***
Format : 2.40
La restauration en 2K est probante. Certaines scènes sont d’une netteté, d’une luminosité et d’un contraste sidérants. D’autres sont moins précises. Une inégalité qui ne nuit cependant pas au confort du visionnage.

Son ***
DTS-HD Master Audio 1.0 en VOST et français
Équilibrée, sans souffle ni parasite aucun, la piste mono est tout à fait correcte pour un film de cet âge. Version originale à privilégier.

LES CHOSES QU’ON DIT, LES CHOSES QU’ON FAIT

Il y a des films qui donnent envie de courir les voir dès l’annonce de leur parution. Celui d’Emmanuel Mouret est de ceux-là. D’abord, il y a le titre, espiègle. Et puis parce que depuis la disparition d’Eric Rohmer, le réalisateur de Changement d’adresse, Un baiser s’il vous plaît, Caprice ou le récent Mademoiselle de Joncquières, qui n’en finit pas d’explorer l’art d’aimer, est un des rares à pratiquer un cinéma hors du temps et courtois, aux dialogues spirituels et à la mise en scène aussi précise qu’une horloge suisse. Attention, sous des dehors frivoles, ce ballet sentimental se révèle parfois grave et souvent cruel. On en sort ébloui.

 

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« Je ne veux pas être la maîtresse d’un homme marié.
– Je n’aurais pas dû te dire que j’étais marié.
– Si, sinon je n’aurais pas couché avec toi.
– Mais pourquoi tu as voulu coucher avec moi alors ?
– Parce que tu étais marié, en pensant que, justement, tu n’allais pas vouloir recommencer. »

 

LES CHOSES QU’ON DIT, LES CHOSES QU’ON FAIT

Emmanuel Mouret
2020
En salles depuis le 16 septembre

Maxime (Niels Schneider) est invité en Provence dans la maison de vacances de son cousin François (Vincent Macaigne) qu’il n’a pas vu depuis longtemps. Il est accueilli par Daphné (Camélia Jordana), la compagne de ce dernier, qui lui explique que François a été retenu quelques jours à Paris. Entre deux balades touristiques, Maxime et Daphné font peu à peu connaissance en faisant le récit de leurs histoires d’amour respectives et plutôt compliquées…

Après la rigueur de Mademoiselle de Joncquières (lire ma critique), inspiré de Diderot, Emmanuel Mouret se tourne vers l’univers de Marivaux. D’ailleurs, Les choses qu’on dit, les choses qu’on fait aurait pu s’intituler Le jeu de l’amour et du hasard. Ce qui intéresse le cinéaste ici, c’est l’inconstance, celle qui pousse les hommes et les femmes à mentir, à se mentir, à trahir, à douter, à se mettre dans des situations rocambolesques et à faire parfois exactement l’inverse de ce que la raison leur dicte. Maxime (Niels Schneider, un regard de chien battu) est ainsi ballotté d’une intrigue à une autre sans jamais avoir de prise sur les événements. Brillamment écrit et orchestré (façon réaction en chaîne), avec une fluidité et une précision dignes du cinéma de Woody Allen, ce ballet sentimental est un régal. Les tourments amoureux des personnages (séduction, tentation, passion, déception… mais au fond, qu’est ce que l’amour ?) engendrent des scènes parfois cocasses, parfois cruelles (des chefs-d’œuvre de la musique classique font un pertinent contrepoint). S’il n’exclut pas d’y mettre de la gravité, le regard que porte le cinéaste sur ses personnages est constamment bienveillant, jamais moralisateur, et aucun d’entre eux n’apparaît méprisable. Comme souvent, Mouret a sollicité des comédiens inattendus dans un tel registre, et tous sont à la hauteur (Camélia Jordana, à contre-emploi, est très appliquée, et Émilie Dequenne, dans une partition touchante, est particulièrement excellente). On ne s’ennuie pas une seconde durant ce chassé-croisé amoureux de deux heures, ponctué de flash-backs, de rebondissements et de suspense, illustration joyeuse du proverbe : « l’être humain est un éternel insatisfait ».
2 h 02 Et avec Guillaume Gouix, Jenna Thiam, Julia Piaton, Louis-Do de Lencquesaing…

 

DEAUVILLE 2020 PREMIÈRES The Professor And The Madman/Comment je suis devenu super-héros

 

« Deauville, c’est d’abord le festival du cinéma avec des films. Ce qui est important, c’est qu’il y ait des films. Parce qu’un festival sans films, ça n’existe pas. Sans réalisateurs, ça existe. » (Bruno Barde, directeur artistique du festival)

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DEAUVILLE AU TEMPS DU CORONAVIRUS

 

Malgré l’absence de stars américaines, bloquées chez elles pour cause de Covid-19, le festival de Deauville a fait front. Comme à l’accoutumée, journalistes et public ont répondu présents. Le protocole sanitaire drastique a été respecté : cinq cents places en moins au CID pour espacer les spectateurs et masque obligatoire durant la projection. Sur la centaine d’œuvres au programme (premières mondiales, hommages, documentaires…), quinze films américains (dont huit signés par des femmes) étaient en compétition. Généreuse, cette 46ème édition a également accueilli neuf films privés de Cannes cette année, choisis par Bruno Barde dans la sélection de Thierry Frémaux, et trois du festival d’animation d’Annecy, annulé lui aussi. Sur le tapis rouge, les Français sont venus nombreux pour faire oublier l’absence des Américains. Entre une flopée de discours d’une banalité crispante (mention spéciale à Pio Marmaï, habitué du festival, qui, à la question de Genie Godula : « Qu’est-ce que vous appréciez le plus à Deauville ? » a loué « l’accueil régional », « les fruits de mer », et enfin « les films »), d’autres ont fait le show, tel l’inénarrable Benoît Poelvoorde. Vanessa Paradis, frêle et tout en Chanel, présidait en beauté le jury de la compétition officielle, la jeune réalisatrice Rebecca Zlotowski celui de la révélation.

 


Les membres du Jury de la compétition autour de leur présidente. De gauche à droite, Vincent Lacoste, Delphine Horvilleur, Mounia Meddour, Vanessa Paradis, Bruno Podalydès et Sylvie Pialat (manquent Yann Gonzales, Zita Hanrot et Oxmo Puccino).

 


Le Jury de la Révélation. De gauche à droite : Antoine Reinartz, Luàna Bajrami, Rebecca Zlotowski, Mya Bollaerts, Arnaud Rebotini.

 

PALMARÈS

GRAND PRIX

The Nest de Sean Durkin a fait l’unanimité. Il a raflé Le Grand Prix, le Prix Fondation Louis Roederer de la Révélation et le Prix du Jury de la Critique. Jude Law et Carrie Coon sont les vedettes de ce film qui narre, façon thriller à suspense, le délitement d’une famille aisée qui quitte le confort de sa banlieue américaine pour s’installer dans un austère manoir en Angleterre. Il s’agit du deuxième long-métrage de Sean Durkin, après l’excellent Martha Marcy Marlene (2011). Il est également le réalisateur de l’impressionnante mini-série anglaise Southcliffe créée par Tony Grisoni en 2013.
À paraitre en novembre 2020.

 

PRIX DU JURY

Ex-aequo

First Cow de Kelly Reichardt – déjà récompensée à Deauville en 2013 avec The Night Moves -, évoque la rencontre inattendue entre un cuisinier taciturne et un immigrant d’origine chinoise dans l’Oregon de 1820.
À paraître prochainement.

 


Lorelei, premier long-métrage de la sympathique Britannique Sabrina Doyle (une des seules cinéastes venues chercher son prix), propose une histoire d’amour compliquée dans l’Amérique paupérisée d’aujourd’hui. On y retrouve Jena Malone et Pablo Schreiber.
À paraître prochainement.

 

PRIX FONDATION LOUIS ROEDERER DE LA MISE EN SCÈNE

 
The Assistant de Kitty Green, dont Rebecca Zlotowski a loué la rigueur « clinique et généreuse », est le premier long-métrage d’une cinéaste jusqu’ici spécialisée dans le documentaire. Le film, interprété par Julia Garner – l’épatante Ruth de la série Ozark –, fait écho à l’affaire Weinstein : une jeune secrétaire d’un producteur de cinéma découvre les abus de ce dernier et déplore l’indifférence de l’entourage professionnel tout à fait informé.
À paraître prochainement.

 

PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE DE DEAUVILLE

Uncle Frank de Alan Ball. Le créateur de la fameuse série Six Feet Under évoque les atermoiements d’un professeur de littérature homosexuel de New York (campé par le toujours formidable Paul Bettany), contraint de se rendre chez sa famille en Caroline du Sud qui ne brille pas par son ouverture d’esprit.
À paraître prochainement.
 

PRIX D’ORNANO-VALENTI

Le prix du Meilleur Premier film français est allé à Slalom de Charlène Favier. Admise dans une prestigieuse section ski-études d’un lycée de Bourg-Saint-Maurice, une jeune fille de quinze ans tombe sous la coupe d’un ex-champion devenu entraîneur.
À paraitre en novembre 2020.

 

PRIX DU 46ÈME FESTIVAL

 
Le festival a ouvert avec un hommage à Kirk Douglas, avec le concours de son fils Michael (via une vidéo enregistrée), et un second a été rendu à Barbet Schroeder, dont Le mystère Von Bülow, restauré, a bénéficié d’une ressortie en salles début 2020. Chaque année, le Prix du Festival de Deauville est remis à un cinéaste qui a franchi l’Atlantique pour travailler aux États-Unis. C’est exactement le cas de ce Franco-Suisse, réalisateur des mémorables Barfly, J.F. partagerait appartement, Kiss Of Death ou La vierge des tueurs, qui a reçu son trophée des mains de Marthe Keller.

 

Les plus craquantes sur le tapis rouge  : Zita Hanrot et Clémence Poésy

 

J’ai eu la chance d’assister à deux premières « mondiales » : celle d’un film américain et l’autre, français. « Aux antipodes » l’un de l’autre…

 

« Un Américain et un Écossais, l’un brillant, l’autre fou. Qui est quoi ? »

 

The Professor And The Madman

Farhard Safinia
2019

Dans les salles françaises en novembre 2020.

En 1857, en Angleterre, le lexicographe et philologue écossais James Murray (Mel Gibson) entame l’élaboration de la première édition de l’Oxford English Dictionary. Cette tâche monumentale l’obligeant à compiler des millions d’entrées, il décide de lancer un appel à soumission, espérant recevoir l’aide de collaborateurs bénévoles. Il va s’avérer que le plus prolifique et brillant d’entre eux, Chester Minor (Sean Penn), chirurgien militaire américain schizophrène, est interné dans un hôpital psychiatrique britannique pour avoir assassiné un innocent…

Un an après une sortie confidentielle aux États-Unis, The Professeur And The Madman est projeté en France. Tourné à Dublin en 2016, le film avait vu son exploitation entravée par le conflit qui opposait la société de production Voltage Pictures et Mel Gibson, l’initiateur du projet. Ce dernier et sa compagnie Icon accusaient Voltage de violation de contrat : elle aurait notamment refusé que certaines scènes soient filmées à Oxford, et ainsi empêché Farhad Safinia de réaliser le film comme il le souhaitait. Faute de preuves substantielles, les plaignants ont été déboutés, et même poursuivis pour rupture de contrat. Ni les acteurs vedettes ni le cinéaste n’ont souhaité assurer la promotion d’un film dont ils n’ont pas approuvé la version finale (Farhad Safinia est même crédité sous le pseudonyme de P. B. Shemran). Bref, un pataquès qui n’a pas joué en faveur de l’œuvre.
Pourtant, tout s’annonçait sous les meilleurs auspices. Mel Gibson avait acquis il y a une vingtaine d’années les droits du best-seller de Simon Winchester dans l’intention de le porter à l’écran sous l’égide de son producteur historique Bruce Davey. Pour pouvoir interpréter le professeur Murray, il en a délégué la direction à Farhad Safinia, le scénariste de son génial Apocalypto. Vu le nombre de critiques acerbes qui ont fleuri depuis la parution du biopic outre-Atlantique, on pouvait s’attendre au pire. Et pourtant, The Professeur And The Madman se regarde sans déplaisir. Oui, Sean Penn cabotine comme un seul homme. Oui, le montage est un peu curieux et oui, certains éléments du scénario auraient mérité d’être davantage développés. Mais à vrai dire, les différents entre parties impliquées ne se ressentent pas sur l’écran et ce biopic certes un brin académique ne manque pas d’atouts. Autour des deux stars précitées, la brochette de seconds rôles est formidable (Steve Coogan, Natalie Dormer, Jennifer Ehle, Stephen Dillane, Eddie Marsan, Ioan Gruffud…). La reconstitution est éblouissante, et on ne peut qu’être saisi par la qualité de la photo signée Kasper Tusken et par la musique de Bear McCreary. Enfin, difficile ne pas être captivé par ce récit édifiant, et cette page d’histoire de la lexicographie quasi-vertigineuse. D’ailleurs, un tonnerre d’applaudissements a suivi la projection.
2h 04 Et avec Jeremy Irvine, Laurence Fox, Sean Duggan…

 

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« Les héros, ça n’existe pas, il n’y a que des losers. »

 

Comment je suis devenu super-héros

Douglas Attal
2020

Dans les salles françaises en décembre 2020.

Dans un futur très proche, certains individus ont développé des facultés surnaturelles et sont parfaitement intégrés dans la société. Mais circule à Paris une étrange substance qui donne des superpouvoirs à ceux qui n’en ont pas. Les accidents s’accumulent. Le policier chargé de l’enquête est le flegmatique lieutenant Moreau (Pio Marmaï), risée du commissariat. A son grand dam, il est contraint de faire équipe avec une nouvelle recrue terriblement zélée (Vimala Pons), venue de la brigade financière. Mais ce policier en apparence incompétent a un passé mystérieux qui va bientôt ressurgir…

Précédé d’une réputation d’OVNI cinématographique, le premier long-métrage de Douglas Attal, fils du producteur Alain Attal et neveu d’Yvan, a effectivement de quoi décontenancer. Un film de super-héros à la française, c’était une sorte de défi et on salue le courage du réalisateur (qu’on a connu acteur au sein de la joyeuse équipe de Radiostars de Romain Levy) d’oser s’attaquer à un genre aussi casse-gueule. Mais marier la comédie avec le fantastique n’est pas chose aisée, et là où Kick Ass s’en sortait avec brio, ici, même si le film mise sur le côté absurde et décalé, ça pédale un peu dans la semoule. Il n’y a pas à tortiller, cette adaptation du livre homonyme de Gérald Bronner est sauvée par ses aspects comiques, et le talent de sa brochette d’acteurs rompus à l’exercice. Pio Marmaï joue les ahuris avec maestria (davantage que les héros…), la trop rare Vimala Pons campe une sorte de petite sœur de Laure Berthaud d’Engrenages avec une conviction désopilante, Leïla Bekhti, en cheftaine, est impériale, et Benoît fait du… Poelvoorde. Le bât blesse davantage côtés fantastique et action (effets spéciaux kitsch, mise en scène poussive et avalanche de clichés empruntés à la saga X-Men, à Watchmen et tutti quanti). Même le thème musical est trop zimmerien pour être honnête (merci Gladiator !). On sauvera toutefois quelques scènes d’action, dont celles dans le lycée notamment. En sortant de la salle, quelqu’un recueillait nos impressions avec un micro, j’ai répondu « rigolo ». Je persiste. Et signe.
1 h 30 Et avec Swann Arlaud, Gilles Cohen, Clovis Cornillac…

Crédits photos Site officiel Festival de Deauville 2020