ETTORE SCOLA : HOMMAGE

Publié le janvier 21, 2016 par Sophie Soligny

Il était le dernier représentant de l’âge d’or du cinéma italien. Ces fameuses années 60 et 70, quand les réalisateurs transalpins rivalisaient d’audace et d’excellence, et jouissaient d’une formidable liberté de ton. La liste de leurs noms donne le vertige : Fellini, Antonioni, De Sica, Risi, Bolognini, Visconti, Zurlini, Petri, Comencini… L’Italie était alors un véritable « laboratoire social » et la comédie « à l’italienne » son meilleur ambassadeur. Réalisateur engagé à gauche, Ettore Scola, décédé le 19 janvier dernier à Rome, à l’âge de 84 ans, laisse derrière lui une quarantaine de films nourris de ses préoccupations politiques et sociales, empreints d’un profond humanisme. Cinéaste de la comédie humaine, passé maître dans l’art de marier le grotesque et la beauté, le cynisme et l’émotion, le réalisateur, qui se définissait comme un « pessimiste gai », a d’abord été un scénariste inspiré (il a notamment signé le scénario du génial Le fanfaron, de Dino Risi) avant de passer derrière la caméra, sous l’impulsion de son ami Vittorio Gassman. On lui doit, entre autres, Drame de la jalousie, Les nouveaux monstres, La terrasse, La nuit de Varennes, Passion d’amour, Le bal, mais aussi et surtout ces trois chefs-d’œuvre absolus : Nous nous sommes tant aimés!, Affreux, sales et méchants et Une journée particulière, qui quarante ans après, n’ont rien perdu de leur pertinence.

Ettore

Nous nous sommes tant aimés! (C’eravamo tanto amati)

Nous

Ettore Scola
1974

Engagés dans la résistance, le bourgeois Gianni (Vittorio Gassman), l’intellectuel Nicola (Stefano Satta Flores) et le prolétaire Antonio (Nino Manfredi) rêvent d’un monde nouveau. A la libération, les trois amis se séparent. Mais, bien que différents, leurs chemins vont pourtant les amener à aimer la même femme (Stefania Sandrelli) et à perdre peu à peu toutes leurs illusions…

Chef-d’œuvre d’Ettore Scola paru en 1974, Nous nous sommes tant aimés est un chassé-croisé de l’histoire personnelle de trois hommes avec l’histoire de l’Italie (de 1944 à 1974) et celle du cinéma. Cette œuvre magnifique, émouvante et drôle, évoque avec une justesse confondante les illusions perdues de la génération de l’après-guerre, qui en s’enlisant dans le mirage du bien-être économique, a fini par trahir ses idéaux. « On voulait changer le monde, mais c’est le monde qui nous a changés. » Magistralement interprété, le film rend également un hommage vibrant au cinéma italien, et notamment à Vittorio De Sica auquel l’œuvre est dédiée, ainsi qu’à Federico Fellini. Le film a obtenu le César du Meilleur film étranger en 1977.
Rédigé pour Fnac.com en 2004

Sommes
aimés

Affreux, sales et méchants (Brutti, sporchi et cattivi)

affreux

Ettore Scola
1976
Prix de la mise en scène au Festival de Cannes

Dans un bidonville de la banlieue de Rome, les quinze membres de la famille Mazatella vivent dans la même petite baraque vétuste, au crochet du patriarche Giacinto (Nino Manfredi). Ce dernier, misanthrope et méchant, ne supporte plus ces parasites qui n’aspirent qu’à lui dérober son magot d’un million de lires, que lui a valu un accident de travail…

A l’origine, Ettore Scola souhaitait tourner un documentaire sur les bidonvilles de Rome, en complément du travail réalisé par Pier Paolo Pasolini dix ans auparavant dans Accatone, film dans lequel le cinéaste évoquait le génocide d’une population d’immigrés du sud de l’Italie, attirée par la société de consommation des grandes villes. Si Pasolini (qui devait faire la préface d’Affreux, sales et méchants, mais fut assassiné avant d’avoir pu la réaliser) s’était intéressé à la mort d’une culture, Ettore Scola s’attache ici aux conditions de vie de ces pauvres hères qui croupissent dans des bidonvilles, subsistant grâce au vol et à la prostitution. Le cinéaste a filmé ces marginaux véritablement affreux, sales et méchants avec un réalisme et une pertinence tels que cette œuvre de fiction drôle et grinçante est apparue en 1976 extrêmement dérangeante. Elle l’est encore…
Rédigé pour Fnac.com en 2004

Sales

Une journée particulière (Una Giornata particolare)

Journée

Ettore Scola
1977

Le 8 mai 1938, la population de Rome, en liesse, est dans la rue pour assister au défilé et à la cérémonie de la rencontre historique entre Hitler et Mussolini. Mais dans un immeuble d’un quartier populaire déserté par ses occupants, Antonietta (Sophia Loren), épouse d’un fonctionnaire fasciste et mère de six enfants consacrés au Duce, et Gabriele (Marcello Mastroianni), intellectuel homosexuel récemment licencié et menacé de déportation, vont se rapprocher…

Même si, en 1977, la Palme d’or à Cannes lui a échappé (au profit de Padre Padrone, des frères Taviani), Une journée particulière est un incontestable chef-d’œuvre et probablement l’un des plus beaux films de l’histoire du cinéma. Ettore Scola avait six ans et demi lors de cet événement de 1938 auquel il a participé et qui a marqué sa mémoire, et qui sert de toile de fond à cette rencontre de deux solitudes, de deux victimes d’un régime autoritaire et liberticide. Le film marque aussi la huitième rencontre à l’écran de deux monstres sacrés et complices de longue date. Sans fards et les yeux cernés, Sophia Loren, loin de son glamour habituel, y est étonnante et trouve ici l’un de ses plus rôles face à un Marcello Mastroianni (le rôle lui a valu une nomination à l’Oscar), lui aussi à contre-emploi et au sommet de son art. La confrontation de ces deux êtres que tout sépare en apparence, mais inexorablement attirés l’un vers l’autre, permet au cinéaste de disséquer l’idéologie fasciste dans toute son aberration, ce qui engendre souvent chez Gabriele, journaliste homosexuel intelligent et amer, des pointes d’humour et d’ironie inattendues. « Ce n’est pas le locataire du 6ème étage qui est anti-fasciste, c’est plutôt le fascisme qui est anti-locataire du 6ème étage ». Accompagné par la retransmission des festivités et des hymnes militaires qui émanent de la radio du concierge dans la cour, ce huis clos à la fois solaire et désespéré, filmé avec une infinie sensibilité, est transcendé par la photo, magnifique, de Pasqualino De Santis, chef opérateur, entre autres, de Mort à Venise.

Sophia

DAVID BOWIE IS… AN ACTOR.

Publié le janvier 12, 2016 par Sophie Soligny

Première publication : 10 mars 2015

Musicien génial, artiste visionnaire, David Bowie est sans doute la personnalité la plus influente et troublante de la culture populaire du XXe siècle. Célébrée ce mois-ci à la Philharmonie de Paris, dans l’exposition itinérante David Bowie Is, créée originellement à Londres en 2013, l’icône garboesque continue de fasciner les jeunes générations et de susciter des vocations. David Bowie, touche-à-tout surdoué, est passé maître dans l’art de se réinventer. Il s’est donc naturellement essayé au 7^ème Art, pour lequel il a été régulièrement sollicité au cours de sa carrière. De ses incartades cinématographiques, on retient surtout L’homme qui venait d’ailleurs, de Nicolas Roeg, dont le personnage d’extraterrestre lui colle toujours à la peau, et Furyo, de Nagisa Oshima, où ses cheveux peroxydés ont imprimé la pellicule à jamais. Pourtant, le reste de sa filmographie oscille entre seconds rôles sympathiques, apparitions anecdotiques, caméos et participations prestigieuses. Pourquoi Bowie ne s’est-il pas davantage impliqué au cinéma ? Eric Dahan, amateur reconnu de sa musique et cinéaste lui-même, et Jérôme Soligny, auteur de David Bowie Ouvre Le Chien, qui vient de paraître aux éditions de La Table Ronde, ont des réponses.

A la Villette, au sortir du concert de Philip Glass du 8 mars 2015 à la Philharmonie de Paris, Eric Dahan et Jérôme Soligny réinventent modestement la pochette de Pin Ups devant l’objectif téléphonique de leur ami Yan Céh.

AFAP : Alors que David Bowie a été formé à l’art du mime, et qu’il n’hésite pas à jouer la comédie dans ses propres clips (revoir Jazzin’ For Blue Jean, prétexte à un vrai numéro), il a peu exprimé ses talents au cinéma. Le fait d’avoir (légitimement) privilégié la musique en est-il la seule raison ?

Eric Dahan : David Bowie a pensé dès 1975 se reconvertir dans le cinéma comme réalisateur, scénariste et producteur. Il ne s’est jamais considéré comme un acteur et, jusqu’en 1983, affirmait qu’il n’acceptait de jouer dans les films que pour observer des grands réalisateurs au travail et ainsi se former au métier.
Lorsque je lui ai demandé dans les années 90 où en étaient ses rêves de réalisateurs, il m’a répondu humoristiquement : « I guess we can call it my wet dream », jeu de mots sur l’expression anglaise qui signifie « pollution nocturne ». Il n’en a pas moins joué dans de très nombreux films, de qualité diverse. Pour ce qui est de la musique, il est clair qu’il a réalisé à un moment que c’était la grande aventure de sa vie et qu’il n’y renoncerait jamais, même s’il s’est parallèlement consacré à la peinture, à l’écriture et même au journalisme.

Jérôme Soligny : Il a effectivement très vite compris que la musique serait son principal vecteur, en tout cas, celui qui lui permettrait d’atteindre la célébrité puis l’indépendance et de créer ensuite sans contraintes. Néanmoins, lorsque son premier manager, Ken Pitt, lui trouve des petits engagements au cinéma, il n’hésite pas à s’y frotter, avec l’assurance qui par la suite caractérisera toutes ses diversions artistiques. Certainement conscient d’être doté d’un physique plus avantageux que la moyenne et de passer plutôt bien à l’écran, il acceptera très vite des choses que d’autres acteurs en herbe de la même génération auraient peut-être refusées. Dans Love you till Tuesday, réalisé par Malcolm J. Thomson, qui est en fait une succession de scopitones présentés sous forme d’émission télévisée, il n’hésite pas à apparaître en cosmonaute cabriolant en apesanteur, ou en gamin de cinq ans. Et puis finalement, il n’a pas eu dans l’ensemble de sa carrière tant que ça de sollicitations de la part de grands réalisateurs : Il a, quelque part, été victime du cloisonnement des arts : “C’est un rocker, il n’a rien à faire au cinéma !” Si Alan Yentob ne l’avait pas filmé en tournée américaine pour le programme télévisé Cracked Actor diffusé par la BBC début 1975, Nicolas Roeg n’aurait jamais eu l’idée de le faire tourner dans L’homme qui venait d’ailleurs. Son choix pour le rôle de Thomas Jerome Newton s’étant préalablement porté sur d’autres.

AFAP : Diriez-vous que David Bowie est un bon acteur, comme Frank Sinatra a pu l’être en son temps ?

E.D : J’estime qu’il est meilleur au théâtre — je pense à sa prestation dans Elephant Man — qu’au cinéma, même si je n’imagine pas L’homme qui venait d’ailleurs, Furyo et Les prédateurs sans lui, tant son travail y est par instants remarquable. Quant à Sinatra, je n’en suis pas fou dans L’homme au bras d’or et je n’ai pas revu Comme un torrent depuis longtemps.

J.S : Dans L’homme qui venait d’ailleurs, il est pratiquement lui-même, au moment du tournage. Je trouve parfaite sa prestation dans Furyo, sachant qu’il joue au milieu d’acteurs qui sont des comédiens fabuleux, comme Takeshi Kitano et surtout l’excellent Tom Conti.

Elephant Man, pièce de Jack Hofsiss – 1980

AFAP : Etes-vous au courant de propositions qu’il aurait refusées ?

E.D : Oui, de nombreux films de science-fiction dans les années 70 et Parking, de Jacques Demy qui lui fut proposé pendant qu’il était à Paris en 1983 pour chanter à Auteuil. (L’infortuné Francis Huster finira par incarner en 1985 l’Orphée rock de la comédie musicale de Jacques Demy. Le résultat, plutôt malheureux, fut loin de combler les attentes du cinéaste lui-même, qui envisagea même d’abandonner sa carrière après cet échec critique et public NdA).

J.S : Jean Genet l’avait sollicité pour une adaptation cinématographique de Notre-Dame-des-Fleurs. Un projet de film avec Liz Taylor est tombé à l’eau, un autre sur la vie du peintre Egon Schiele également (avec Sydne Rome) et il aurait refusé de jouer le méchant du James Bond Dangereusement vôtre (de John Glen paru en 1985. Le rôle échut à Christopher Walken NdA).

AFAP : Y a-t-il des rôles qu’il aurait aimé interpréter ?

E.D : Il a pensé un temps qu’il aurait un rôle dans L’œuf du Serpent de Bergman (paru en 1977 NdA), car ils vivaient tous deux à Berlin à l’époque et je me souviens qu’il aurait aimé tourner avec Fassbinder et Truffaut.

J.S : Oui, on sait qu’il a aimé L’enfant sauvage de Truffaut. Il en abordera le thème dans sa chanson « Wild Eyed Boy From Freecloud ».

AFAP : Que pensez-vous de ses caméos dans les comédies truculentes et branchées, telles que Zoolander, College Rock Stars ou les séries Dream On ou Extras ? N’est-ce pas un peu « facile « ?

E.D : Très franchement, je me souviens vaguement avoir trouvé Dream On assez drôle, car John Landis n’est pas un manchot. Quant aux autres films, je ne les ai pas vus.

JS : Il est excellent dans Extras, et plutôt drôle en Lagerfeld chevelu dans Zoolander. On peut répondre aux gens qui lui reprochent de cachetonner qu’il fait souvent ces choses-là par amitié.

Avec Owen Wilson et Ben Stiller dans Zoolander de Ben Stiller – 2001

AFAP : Labyrinthe est-il « la » faute de goût ?

E.D : C’en est une, mais ce n’est pas la seule ! Je ne suis pas non plus convaincu par sa performance dans le clip/court-métrage Jazzin’ For Blue Jean ou encore par l’atroce Dernière Tentation du Christ de Scorsese dans lequel Bowie incarnait Ponce Pilate. Je regrette qu’on ne le voie pas davantage dans Twin Peaks, plus proche de sa propre sensibilité artistique.

J.S : Labyrinthe est forcément discutable, mais il ne faut pas oublier que c’est un film destiné aux enfants. Et je trouve Bowie assez savoureux. Là encore, on sait qu’il y a tourné par amitié pour Jim Henson. Il est toujours plaisant de voir quelqu’un, souvent qualifié, à tort, de froid et calculateur, se mettre dans de telles situations : jouer le jeu au risque de se ridiculiser, mais en l’assumant, et sans être dupe pour autant.

Labyrinthe (Labyrinth) de Jim Henson – 1986

La dernière tentation du Christ (The Last Temptation Of Christ) de Martin Scorsese – 1988

Twin Peaks: les 7 derniers jours de Laura Palmer (Twin Peaks: Fire Walks With Me) de David Lynch – 1992

AFAP : Quels sont les trois films que vous retenez de sa filmographie ?

E.D : L’homme qui venait d’ailleurs, Furyo et Les prédateurs, sans hésiter, car on ne peut pas dire que The Linguini Incident (de Richard Shepard, 1991- NdA) ait une grande valeur artistique.

J.S : Je rajoute Basquiat parce que le voir jouer Warhol, personnage dont la mythologie a eu autant d’importance pour lui, est un vrai bonheur, sachant aussi que le courant n’est jamais passé entre eux, la chanson « Andy Warhol » de Bowie n’ayant pas plu du tout à l’artiste conceptuel. Pour revenir à Furyo, je pense que Bowie doit être fier d’être dans ce film qui a révélé Takeshi Kitano, qui était, à l’époque, un comique japonais. Mais Bowie n’était pas là par hasard. Sa passion pour le Japon date de bien avant ça. Ziggy Stardust n’a jamais vu Paris, mais il a vu Tokyo ! C’est aussi un des rares films où il a joué le jeu de la promotion en accompagnant le Oshima Gang à Cannes.

L’homme qui venait d’ailleurs (The Man Who Fell To Earth) – 1976

Furyo (Merry Christmas Mr Lawrence) – 1983

Trente ans avant Only Lovers Left Alive de Jim Jarmush : Les prédateurs (The Hunger) de Tony Scott, avec Catherine Deneuve et Susan Sarandon – 1983

Basquiat de Julian Schnabel (1996)

Avec Rosanna Arquette dans The Linguini Incident – 1991

AFAP : Parmi les personnages qu’il a interprétés au cinéma, lequel est le plus proche du vrai Bowie d’après vous ?

E.D : Thomas Jerome Newton dans L’homme qui venait d’ailleurs, car il y dit des choses très personnelles comme « My life is not secret, but it is private » ou encore sur le fait qu’il est bisexuel (« I see bodies…of women and men ») mais également le Major Celliers de Furyo car il est question d’un frère abandonné et trahi, et que ce n’est pas non plus sans résonance avec sa propre vie. Mais aussi parce qu’à un moment, la scène où Takeshi Kitano les délivre et leur souhaite « Merry Christmas », il ne peut s’empêcher de sourire d’un air entendu et un peu supérieur comme cela lui arrive dans la vie.

J.S : Oui, c’est son côté « je suis courtisé à mort et je suis blasé ». C’est tout à fait ce qu’on ressent dans la nonchalance de son attitude lorsqu’il avance vers le personnage incarné par Ryuichi Sakamoto pour l’embrasser. On peut également constater que dans Furyo et L’homme qui venait d’ailleurs, il est acteur dans le sens où Alain Delon l’entend, et non comédien. Dans le film de Nicolas Roeg, la créature chétive et apeurée par un monde qu’elle semble découvrir n’est finalement qu’une émanation de ce que Bowie est en 1975, fragilisé par les drogues et les errances mentales nocives. Même si le film est adapté d’un livre de Walter Tevis, certaines scènes sont directement inspirées de ce que Bowie vivait alors en tournée. Son chauffeur dans le film était le sien à cette époque. Non seulement il est Thomas Jerome Newton, mais il est assez singulier de constater, a posteriori, que ce personnage dont la civilisation sur sa planète semble plus avancée que les celle des Terriens, ressemble à ce qu’il allait devenir lui-même quelques années plus tard. Depuis la fin des années 90, dans les interviews qu’il m’a accordées, David a expressément expliqué que l’inculture et le nivellement par le bas, cette forme d’ “infériorité” vers laquelle on tend, faisaient partie de ses préoccupations. Au moins autant que les terribles dérives du monde, occasionnées par les conflits d’origine religieuse.

L’homme qui venait d’ailleurs (The Man Who Fell To Earth)

Furyo (Merry Christmas Mr Lawrence)

AFAP : Ne trouvez-vous pas troublant l’intérêt de son fils pour la science-fiction (Duncan Jones très bon cinéaste au demeurant, est le réalisateur de Moon et Source Code) ? Ne pensez-vous pas que la boucle est bouclée, d’une certaine façon ?

E.D : Troublant, non, car beaucoup de jeunes aiment la science-fiction. Je ne dirais pas que la boucle est bouclée car l’espace chez David Bowie est avant tout métaphorique, alors que dans Moon c’est juste un décor.

J.S : Il s’agit peut-être d’une coïncidence… Par contre, je suis convaincu que, même si c’en est vraiment une, le père qu’est David doit être fier, quelque part, que son fils se soit fait connaître par l’histoire d’un astronaute. Major Tom, de père en fils !

Sam Rockwell dans Moon de Duncan Jones – 2009

Duncan Jones et David Bowie à la première de Moon au festival de Tribeca

Autres apparitions mémorables de David Bowie au cinéma :

Just A Gigolo de David Hemmings – 1978

Série noire pour une nuit blanche (Into The Night) de John Landis – 1985

Absolute Beginners de Julian Temple – 1986

Le prestige (The Prestige) de Christopher Nolan – 2006

Avec Josh Hartnett dans August d’Austin Chick – 2008

Lien de l’exposition David Bowie Is

Page Facebook du livre David Bowie Ouvre Le Chien, de Jérôme Soligny, préface d’Eric Dahan, Editions La Table Ronde

NICOLAS GODIN, L’ART DU CONTREPOINT

Publié le septembre 17, 2015 par Sophie Soligny

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Tous les cinéphiles le savent : sans la musique magique du groupe Air (Nicolas Godin et Jean-Benoît Dunckel), The Virgin Suicides, le film culte de Sofia Coppola, n’aurait jamais eu la même grâce géniale, le même impact. Quelques mois après la réédition en coffret collector de la bande originale de The Virgin Suicides, et à l’occasion de la parution chez Because, cette semaine (le 18 septembre exactement), de Contrepoint, le premier album solo très réussi de Nicolas Godin, AFAP a eu envie d’en savoir plus. Cet esthète perfectionniste et dandy discret, qui partage avec le Suédois Jay-Jay Johanson et le Japonais Ryuichi Sakamoto la même virtuosité dans l’art de conjuguer l’ancien et le moderne, la mélancolie et la beauté, a répondu à quelques questions. A propos de la création de cette BO emblématique, de son album, de ses influences, de sa manière de travailler, et de ses goûts en matière de cinéma.

Photo Mathieu Cesar

AFAP : En préambule à Virgin Suicides, comment s’est effectuée la rencontre avec Sofia Coppola ?

Nicolas Godin : Nous sommes allés à Los Angeles début 1998 pour tourner le clip de « Kelly Watch The Stars » et de « All I Need » (deux morceaux qui figurent, comme le fameux « Sexy Boy », sur l’album Moon Safari, publié en 1998 — NdA). Nous avons rencontré, par l’intermédiaire du réalisateur de films et de clips Mike Mills (qui partageait un bureau avec le frère de Sofia), toute la scène musicale de L. A. Et c’est lors d’une fête au Chateau Marmont, dans la suite de Mike, que nous avons fait la connaissance de Brian Reitzell, batteur incroyable, mais aussi music supervisor sur le film en préparation, The Virgin Suicides. Nous avons monté un groupe avec les musiciens de Beck pour partir en tournée, engagés Brian comme batteur, et à la fin des répétitions, nous avons organisé un concert pour les intimes dans notre local de répétition dans la Vallée. C’est là que nous avons rencontré Sofia pour la première fois. Le lendemain nous allions avec elle chez Paramount si je me souviens bien, pour voir les rushes.

AFAP : Vous a-t-elle donné des indications ou bien laissé carte blanche ?

NG : Carte blanche ! On recevait les rushes, à l’époque sur des VHS, et nous improvisions sur les images. Nous avions déjà l’idée de faire un album à partir de ces enregistrements, un album qui pourrait être écouté sans nécessairement voir le film. C’est la raison pour laquelle il y a plus de morceaux sur le disque que dans le film.

AFAP : Quelle a été votre réaction en découvrant le film monté pour la première fois ? Etait-il à la hauteur de vos espérances ?

NG : Oui. Cela dit, j’ai été très surpris car c’est la première fois que je travaillais pour le cinéma, et j’ai compris ce soir-là l’art du montage. Les rushes étaient vraiment d’une noirceur extrême, et le film arrive souvent à trouver une certaine forme de légèreté assez éloignée du roman original. J’ai été assez déstabilisé. Si je me souviens bien, c’était au Festival de Cannes.

AFAP : Aviez-vous le sentiment en travaillant dessus, que ce film était « spécial », et qu’il serait culte pour toute une génération ?

NG : Non. Nous avions une forme d’innocence qui nous a préservés de toute forme de spéculation sur l’avenir du film. De plus, Sofia n’avait jamais fait de long-métrage. Comme de notre côté, nous n’avions jamais fait de musique de film, je crois qu’aucun d’entre nous n’a compris sur le moment que nous étions chacun de notre côté en train de concevoir un « classique ».

AFAP : N’est ce pas une sorte de piège d’avoir signé d’emblée une BO si typée, qui fait que des réalisateurs qui sollicitent Air depuis, attendent généralement de vous quelque chose « à la Virgin Suicides ».

NG : C’est vrai ! Depuis, chaque fois que nous sommes approchés pour une BO, on nous demande de refaire « Highschool Lover », avec le piano et les accords de violons.

AFAP : Les allusions à la musique de film sont également nombreuses dans Contrepoint, relecture très pop et pertinente de Jean-Sébastien Bach… Diriez-vous que la musique de film est un peu le chaînon manquant entre la pop et le classique ?

NG : C’est exactement ça. La musique de film a rendu la musique classique abordable pour un public pas forcément mélomane. Cela dit, la pop a également pillé Bach par tous les bouts. Il n’y a qu’à entendre Procol Harum ou bien n’importe quel morceau de variété des années 70.

AFAP : Œuvre solo, Contrepoint est toutefois une collaboration. Etes-vous directif ou « partageur » en studio ?

NG : Très directif, mais j’ai besoin de l’énergie des autres pour me nourrir. Je ne pourrais donc jamais faire un disque seul. Je suis une sorte de vampire, d’ailleurs je ne m’expose jamais au soleil. En revanche, je ne retiens que les idées qui vont dans mon sens. En cela, je ne suis pas très « souple ».

AFAP : Air a joué Virgin Suicides en concert et vous comptez emmener Contrepoint en tournée. Alors qu’on vous imagine sorcier de studio, considérez-vous la scène comme l’extension naturelle de votre travail ?

NG : Non, la scène est quelque chose de différent. C’est souvent l’album en moins bien, sauf lorsqu’on a affaire à des artistes charismatiques qui donnent la chair de poule dès qu’ils apparaissent sur scène. Ce n’est pas mon cas malheureusement, ce qui rend très compliqué la transposition sur scène de mes albums. J’arrive parfois à trouver une troisième voix pour que les gens passent un bon moment. En tout cas, à l’heure du streaming et de la musique dématérialisée, la scène est le dernier refuge pour ressentir le grand frisson. Je n’arrêterais donc jamais d’en faire. C’est une sensation unique au monde, et on peut devenir vite accro.

Photo Thomas Humery

AFAP : Quelles sont vos trois BO de films préférées ?

NG : J’ai revu pas mal de Kubrick au cinéma cet été, et je me suis vraiment pris une claque avec les BO de 2001, l’odyssée de l’espace et Barry Lyndon (dans les deux films, le mariage des images et d’œuvres classiques telle que « Ainsi parlait Zarathoustra » de Richard Strauss pour 2001, l’odyssée de l’espace, a engendré des séquences mythiques — NdA).

2001, l’odyssée de l’espace Bande-annonce

AFAP : Pour quels compositeurs de musique de films d’hier et d’aujourd’hui avez-vous le plus d’admiration ?

NG : Henry Mancini, John Barry, Ennio Morricone

AFAP : Quels sont les réalisateurs contemporains avec lesquels vous aimeriez particulièrement travailler ?

NG : Todd Haynes, Christopher Nolan, Paul Thomas Anderson…

AFAP : Dans certaines séries TV récentes, Peaky Blinders ou True Detective, la musique tient une place importante, au point d’être une sorte de marque de fabrique du show, et certains musiciens collaborent véritablement avec les créateurs de séries. Est-ce un concept qui vous plaît ?

NG : Oui ! J’adore les séries. J’ai fait pas mal de binge viewing (visionnage de plusieurs épisodes d’une même série à la suite- NdA) cet été. Je suis particulièrement attentif à la musique de séries et certaines sont remarquables.

AFAP : Y a-t-il des chefs-d’œuvre du cinéma qui, selon vous, n’ont pas eu la BO qu’ils méritaient ?

NG : Dans ce sens-là, je ne vois pas. En général, les chefs-d’œuvre fonctionnent à tous les niveaux.

AFAP : De même, connaissez-vous des mauvais films dont la BO est formidable ?

NG : Effectivement, ça arrive souvent, surtout lorsque les films sont datés ou ennuyeux. Il y a de trop nombreux exemples. Certains compositeurs cités plus haut ont fait énormément de séries B et c’est là-dedans qu’il faut chercher.

AFAP : Quels sont vos trois films préférés (indépendamment de leur BO) ?

NG : Waouh ! New York 1997 (Escape From New York) de John Carpenter, Victor/Victoria de Blake Edwards, Le nouveau Testament de Sacha Guitry.
Propos recueillis le 17 août 2015

Kurt Russell dans New York 1997 (1981)