WE BLEW IT

Comment l’Amérique a-t-elle pu passer de Easy Rider à Donald Trump ? Prisé et bien connu des cinéphiles, le critique et historien Jean-Baptiste Thoret tente de répondre à cette question pertinente dans un documentaire fleuve, une lettre d’amour au cinéma américain des seventies et à cette Amérique fantasmatique sublimée par Michael Cimino, Sam Peckinpah ou Richard C. Sarafian.

 

« Vous connaissez l’expression “Sex, drugs & rock’n’roll” ? Pour la comprendre, il fallait vraiment y être. Ça n’était pas “Sex, drugs & rock’n’roll”. C’était du rock’n’roll, des drogues, plus de rock’n’roll, plus de drogues, et enfin, du sexe. Voilà comment c’était… » Brad Moresi, Américain désenchanté

We Blew It

Jean-Baptiste Thoret
2017
En salles depuis le 8 novembre

Quand on aime le cinéma américain, on aime forcément l’Amérique. Un pays pétri de défauts, mais capable de se remettre en question par son art. Les films de Griffith, Ford, Minnelli, Hawks, Capra, Sirk, Peckinpah, Cassavetes, Lumet, Pollack, Pakula, Cimino ou Scorsese ont nourri notre vision de l’Amérique et, au passage, l’ont rendue mythique. Pour beaucoup, et en particulier Jean-Baptiste Thoret, le cinéma américain s’est arrêté au terme du Nouvel Hollywood, cette période bénie marquée par Bonnie And Clyde, Le Lauréat ou Easy Rider, et dont la fin a été précipitée par le fiasco de La porte du Paradis de Cimino. « We blew it. » (« On a tout foutu en l’air. ») la réplique prophétique (et improvisée) que Peter Fonda répète à deux reprises à la fin de Easy Rider, sert de point de départ au cinéaste. Durant deux heures dix-sept, Thoret va explorer ce qu’il reste de cette Amérique éprise de liberté, et tenter de comprendre pourquoi une grande partie de la génération Woodstock ne s’est pas opposée à Donald Trump, bien au contraire. Et pourtant, le film a été tourné au moment des élections américaines, alors que la victoire d’Hillary Clinton semblait acquise. Dans les petites villes traversées par la mythique Route 66 et les contrées sauvages aux paysages grandioses de l’Arizona, du Montana ou du Colorado, le journaliste a rencontré des Américains libres qui se reconnaissent davantage dans Trump que Clinton. Thoret a aussi interviewé, entre autres, Michael Lang, le cocréateur de Woodstock, des universitaires et des cinéastes de la contre-culture ou pas, qui ont cru un moment qu’ils allaient changer le monde (Peter Bogdanovich, Tobe Hooper, Jerry Schatzberg, Paul Schrader, Charles Burnett, James Toback, Michael Mann, Bob Rafelson, Peter Hyams… ). Certains sont désabusés, d’autres sévères (« Chaque époque a le cinéma qu’elle mérite. »), peu sont enthousiastes au sujet du cinéma d’aujourd’hui. Mais Jean-Baptiste Thoret n’est pas Michael Moore. A l’efficacité d’une démonstration, il préfère la contemplation, quitte à ce que son documentaire en Cinémascope et accompagné par une bande-son ad hoc (Creedence Clearwater Revival, The Band…), fichu comme les road-movies qu’il aime tant (il voue un culte à Vanishing Point), paraisse un brin foutraque et décousu. L’amour pour ce cinéma est palpable dans chaque image, chaque plan, truffé de références. Beau, élégiaque et mélancolique, We Blew It s’achève sur la chanson « Tell Me » de Terry Kath, dans un plan crépusculaire qui illustre admirablement cette phrase d’une anonyme : « On était le centre de l’univers, et puis, notre heure est passée… »
2h 17 La photo, magnifique, est signée Denis Gaubert.

BANDE-ANNONCE

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L’ANNÉE DU DRAGON et Sélection DVD/Blu-ray

Pont 
« I guess if you fight a war long enough, you end up marrying the enemy. »

 

L’année du dragon (Year Of The Dragon)

Rourke

Michael Cimino
1985 (en DVD et Blu-ray restaurés depuis le 9 mars 2016 chez Carlotta)
Nommé pour le César du Meilleur film étranger en 1986

Vétéran du Vietnam et policier le plus décoré de New York, Stanley White (Mickey Rourke) est muté à Chinatown où un parrain de la mafia chinoise vient de se faire assassiner. Conronté à la vague de violence qui s’abat sur le quartier, White, qui ne fait pas dans la dentelle, entreprend de déclarer la guerre aux bandes criminelles et trafiquants de drogue à la solde des triades qui gangrènent Chinatown. Il soupçonne notamment Joey Tai (John Lone), un jeune et ambitieux homme d’affaires, de vouloir s’approprier le territoire…

Après quatre années de purgatoire, consécutives au fiasco de La porte du Paradis, Michael Cimino se voit confier par le célèbre producteur Dino De Laurentiis l’adaptation de L’année du dragon, roman publié en 1981 par Robert Daley, journaliste au New York Times (il est également l’auteur du Prince de New York). Cimino saute sur l’occasion, mais obtient la liberté de revoir le scénario, avec la complicité d’Oliver Stone. Ainsi, si L’année du dragon, qui paraît en 1985, brosse un tableau très authentique de ce Chinatown aux mains des triades chinoises, il est également empreint des obsessions du réalisateur et de son scénariste, hantés par la guerre du Vietnam, la question de l’idéal américain et du rôle néfaste des médias dans la société américaine. Conçu comme un western urbain, le film tourne vite à l’affrontement entre deux hommes : un flic d’origine polonaise, arrogant et tête brûlée, et un gangster d’origine chinoise déguisé en homme d’affaires raffiné et élégant. Pour coincer Joey Tai, Stanley White ne fait pas de quartier, et refuse les petits arrangements avec l’ennemi suggérés par sa hiérarchie, quitte à mettre en danger sa femme, sa maîtresse, son équipe, et bien sûr, au mépris de sa propre vie. Dès la scène d’ouverture, spectaculaire, dans un Chinatown sublimé par sa reconstitution en studio, on est subjugué par la beauté des images (le film a été tourné en Scope), et des couleurs, explosives. Toute cette splendeur — les vues de New York sont à couper le souffle, à l’image de l’appartement de la belle journaliste Tracy Tzu — forme un contraste saisissant avec la violence et la sauvagerie des règlements de comptes. Mickey Rourke, alors en pleine gloire, trouve ici l’un de ses meilleurs rôles face à un John Lone extrêmement séduisant, qui campera deux ans plus tard le héros du merveilleux Le dernier empereur, de Bernardo Bertolucci. La rage et la folie des deux personnages confèrent à leur confrontation finale un caractère épique et grandiose, entre le western et le film noir. A sa sortie, L’année du dragon fera les frais de critiques injustifiées, accusant Cimino de racisme éhonté envers la communauté asiatique, assimilant ses convictions à certaines paroles proférées par Stanley White. L’année du dragon essuiera un échec au box office américain (il écopera même de cinq Razzie Awards !), mais obtiendra un joli succès en France. Le film s’impose à ce jour, après Voyage au bout de l’enfer et La porte du Paradis, comme le dernier chef-d’œuvre flamboyant du cinéaste maudit.
2 h 14 Et avec Ariane, Raymond J. Barry, Caroline Cava, Dennis Dun, Victor Wong…

 TracyLone

Test Collector :

The Year DVD

Interactivité ****
Après la magnifique édition Collector consacrée à Body Double de Brian De Palma, Carlotta réitère avec ce beau coffret comprenant le double-DVD et le Blu-ray du film en version restaurée ainsi qu’un livre de 208 pages intitulé L’ordre et le chaos incluant une analyse de François Guérif, des extraits du scénario original, des interviews de Michael Cimino, Mickey Rourke et Robert Daley publiées dans les revues de cinéma à l’époque de la sortie du film, des photos inédites et des notes de production. Les suppléments à proprement dit consistent en une introduction très pertinente de Jean-Baptiste Thoret, et un entretien audio d’environ 30 minutes avec Michael Cimino, qui se remémore le tournage et parle sans langue de bois de ses fiertés et de ses déceptions. L’un des plus grands regrets de sa carrière réside dans le refus de la part du studio de sa réplique finale (« Quand on fait une guerre assez longtemps, on finit par épouser son ennemi. »), qui contenait toute l’essence du film, pour la remplacer par un dialogue d’une banalité confondante.

Image ****
Format : 2.35
La restauration, récente, a fait des merveilles. Il suffit de jeter un œil à la bande-annonce d’époque pour le constater. La définition est quasi parfaite. On ne décèle que de rares flous et fourmillements. Les contrastes sont impressionnants, les couleurs flamboyantes.

Son : ***
DTS-HD Master Audio 5.1 et 2.0 en anglais sous-titré
DTS-HD Master Audio 2.0 en français
Net avantage à la version originale, la seule à disposer d’une piste remixée en 5.1, mais on ne s’en plaindra pas ici. Les puristes préféreront peut-être la version d’origine en 2.0, mais la piste en 5.1 se révèle immersive et harmonieuse. Le caisson de basses soutient efficacement les montées de tension et les effets ajoutés mettent le spectacle en relief.

Rue
Glasses
The Year 2

A noter que le film est également disponible en édition Blu-ray simple.

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Carlotta a publié à la même date, en Blu-ray et DVD, Desperate Hours (La maison des otages), réalisé par Michael Cimino, cinq ans après L’année du dragon, avec le même Mickey Rourke en vedette. Ce film méconnu (et de commande), remake de La maison des otages de William Wyler, a bénéficié lui aussi d’un nouveau master restauré, et est accompagné d’une préface instructive de Jean-Baptiste Thoret.

Desperate

 

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Dragon Hoku

« Je connais un vieil excentrique. Tantôt il dessine un Bodhidharma géant sur une surface de cent vingt tatamis. Et tantôt il dessine deux moineaux sur un grain de riz. »

Miss Hokusai

Seule

Keiichi Hara
2015 (En DVD depuis le 20 janvier 2016 chez Anime)
Prix du Jury 2015 du Festival du film d’animation d’Annecy

En 1814 dans la ville bouillonnante d’Edo (l’actuelle Tokyo), O-Ei, jeune femme indépendante d’une vingtaine d’années, au caractère bien trempé, vit avec son père, le célèbre peintre d’estampes Katsushika Hokusai, qu’elle n’hésite pas à traiter de vieux fou. O-Ei a elle-même un véritable talent de peintre et travaille très souvent sur les œuvres de son père. Elle tente aussi de le convaincre de s’intéresser à son autre fille, la petite O-Nao, aveugle de naissance qui vit dans un temple auprès de religieuses et souffre de l’indifférence de son père à son égard…

Miss Hokusai est adaptée du manga Sarusuberi, de la mangaka et historienne Hinako Sugiura, disparue prématurément en 2005, à l’âge de quarante-six ans. Keiichi Hara, réalisateur des remarqués Un été avec Coo et Colorful, rend hommage à l’œuvre originale publiée dans les années 80, en y ajoutant sa patte (dont l’utilisation du rock dans la bande-son) et ses propres réflexions sur l’art, la mort, la religion. Contrairement au biopic traditionnel, le film d’animation se concentre sur quatre saisons de la vie de O-Ei, et immerge dans le quotidien bohème de la jeune fille, troisième des quatre filles du maître, artiste talentueuse et déterminée, gauche dans les relations humaines, et très protectrice envers sa petite sœur malade. C’est par ses yeux que l’on découvre la personnalité fantasque de son père célèbre (notamment pour la série des Trente-six vues du Mont Fuji, où figure la fameuse estampe Sous la vague au large de Kanagawa, plus connue sous le titre La grande vague et à laquelle le film fait un joli clin d’œil). A l’image de la maison-atelier, véritable fourbi, où sa fille et lui dessinent et dorment sur le sol, à même leurs travaux, Katsushika Hokusai apparaît comme un homme excentrique, obsédé par son art, n’ayant que faire de l’argent, et plutôt indifférent aux problèmes de sa famille. Les va-et-vient incessants de O-Ei à travers Edo, ses rêveries sur le pont, ses incursions dans le Yoshiwara (quartier des plaisirs ou « monde flottant ») permettent de découvrir ce pré-Tokyo déjà grouillant de vie, et sujet aux incendies à cause du bois des habitations (une source d’inspiration pour les peintures d’O-Ei). L’humour, la mélancolie et le fantastique s’entremêlent dans cette chronique intime, ponctuée de scènes sublimes et accompagnée par une bande-son anachronique de toute beauté. Si le rythme lancinant et l’aspect un peu décousu de la narration peuvent déstabiliser, Miss Hokusai est une formidable introduction à l’histoire de cette saga familiale artistique et rend justice à une artiste accomplie, restée pour la postérité dans l’ombre de son père.

Fleur Hoku
Pont Hoku
Fourbi

 

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Le film est disponible en DVD et Blu-ray, éditions Simple ou Collector. Seules ces dernières sont enrichies de suppléments, comprenant notamment un making of de deux heures ainsi qu’une interview de Keiichi Hara.

Wave

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Lance
« He recovered from cancer and turned into bloody Superman. Do you think that’s natural ?
– Why are you so obsessed with this ?
– Why are you NOT obsessed with this ? »
 

The Program

Vélo

Stephen Frears
2015 (En Blu-ray et DVD depuis le 26 janvier 2016 chez Studiocanal)

En 1993, Lance Armstrong (Ben Foster), a vingt et un ans et aborde son premier Tour de France. Sa forte personnalité suscite l’intérêt de David Walsh (Chris O’Down), journaliste sportif au Sunday Times, qui a tôt fait de constater qu’ Armstrong fait montre d’un véritable talent sur route, mais beaucoup moins dans les étapes de montagne, où il est invariablement distancé. Révolté en comprenant qu’il n’a aucune chance contre les coureurs consommateurs d’EPO, la substance interdite que leur fournit le médecin italien Michele Ferrari (Guillaume Canet) et qui améliore les performances de manière phénoménale, Armstrong tente de se rapprocher de ce dernier. Au même moment, on lui diagnostique un cancer très virulent…

Stephen Frears n’est pas féru de cyclisme, sport auquel il a même avoué ne pas connaître grand-chose. Mais l’aspect édifiant de l’affaire Lance Armstrong ne lui a pas échappé lorsqu’il est tombé sur une critique de The Secret Race, le livre publié par Tyler Hamilton et Daniel Coyle, ex-coéquipiers du champion déchu, récompensé en 2012 par le Prix William Hill Sports Book Of The Year. The Program sera pourtant adapté d’un autre livre, celui du journaliste David Walsh, qui s’est battu seul contre tous pour que la vérité soit faite. En une heure et quarante-trois minutes, le film de Stephen Frears conte l’ascension et la chute d’un homme dont l’histoire était bien trop belle pour être vraie, et en parallèle, le combat acharné de Walsh, alors que les instances du sport et ses propres confrères préféraient fermer les yeux. Si, en infâme Michele Ferrari, Guillaume Canet tourne son personnage en dérision, l’ensemble de la distribution est un sans-faute. Ben Foster, qui s’est entraîné pour le rôle, est très convaincant en cycliste professionnel. Il l’est aussi en Lance Armstrong mégalo, rusé, calculateur, qu’il rend particulièrement antipathique. On pourra reprocher à la démonstration, étayée par de nombreuses séquences d’archives, de manquer de profondeur et d’ambition artistique, mais ce thriller efficace, nerveux et caustique brosse un tableau implacable des coulisses étonnamment sordides d’un sport pourtant réputé pour sa noblesse.
1h 43 Et avec Jesse Plemons, Lee Pace, Denis Ménochet, Dustin Hoffman, Elaine Cassidy, Edward Hogg…

Canet

Tube 

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Le DVD accompagne le film d’un bouquet de suppléments un peu trop promotionnels qui ont tendance à le paraphraser. On retiendra cependant l’interview de David Walsh, qui souligne qu’Armstrong n’était pas fait pour le Tour de France mais pour « les courses classiques d’un jour », rappelant qu’il était une superstar sur route. Il parle de Michele Ferrari comme d’un « docteur Frankenstein », et ne tarit pas d’éloge sur Betsy Andreu, qui l’a aidé dans son combat. Et de conclure : « La victoire à n’importe quel prix est inacceptable… L’affaire Armstrong est un avertissement gravé dans l’histoire du sport. »

Chris

 

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Main
« Is it you ? Is it ? »

 

Quelque part dans le temps (Somewhere In Time)

Portrait

Jeannot Szwarc
1980 (en Blu-ray et DVD depuis le 24 février 2016 chez Rimini Editions)
Prix de la critique au festival fantastique d’Avoriaz en 1981
Nommé à l’Oscar 1981 des Meilleurs costumes

En 1972 à Chicago, à la fin de la représentation d’une de ses pièces, le jeune dramaturge à succès Richard Collier (Christopher Reeve) est abordé par une vieille dame qui semble le connaître. Elle lui remet une ancienne montre à gousset en lui disant « Reviens-moi ! », avant de disparaître dans la foule. Pensant avoir affaire à une excentrique, Richard n’y prête pas attention. Mais huit ans plus tard, au Grand Hôtel victorien de l’île Mackinac où il est descendu par hasard, il tombe fou amoureux de la photographie d’une jeune femme (Jane Seymour), exposée dans le musée de l’établissement. En effectuant des recherches, il découvre que cette comédienne de théâtre, célèbre au début du siècle, n’est autre que l’étrange vieille dame qui l’avait abordé huit ans plus tôt…

De la carrière du réalisateur franco-américain Jeannot Szwarc, qui s’est principalement consacré à la télévision (il a collaboré à moult séries télévisées populaires telle que Ally McBeal, Smallville, Boston Public, ou la récente Bones), on retiendra quelques films, dont Les dents de la mer 2, Enigma, Supergirl, et ce Quelque part dans le temps, devenu culte avec les années après avoir été massacré par la critique à sa sortie. Cette histoire d’amour fou et de voyage dans temps est librement adaptée du roman Le jeune homme, la mort et le temps (Bid Time Return), écrit en 1975 par Richard Matheson — maître de l’épouvante et de la science-fiction, auteur, entre autres, de Je suis une légende et L’homme qui rétrécit — qui a participé au projet et apparaît ici le temps d’une courte scène. D’un romantisme échevelé, le film, sorte de rêve éveillé, épouse le point de vue de Matheson, plus concerné par l’humain que par la science. Ainsi, plutôt que de recourir aux effets spéciaux classiques d’un voyage temporel, le cinéaste en appelle au pouvoir de la pensée et du rêve, à la manière du Peter Ibbetson d’Henry Hathaway. A l’image du Grand Hotel, personnage à part entière du film, Quelque part dans le temps distille un charme un peu suranné. La belle musique de John Barry et la prestation habitée et sensible de l’attachant Christopher Reeve, révélé deux ans plus tôt par Superman, l’ont rendu inoubliable.
1 h 43 Avec Christopher Plummer, Teresa Wright, Bill Erwin, Susan French…

Plage
Plummer

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Pour sa première sortie en Blu-ray, le film profite d’un nouveau master Haute Définition, un peu inégal (visages un peu trop rosés), mais propre, avec de jolis contrastes dans la partie contemporaine. Si côté son, on doit se contenter d’un DTS 2.0, plus harmonieux en anglais, le programme de suppléments est inespéré, même s’il est moins fourni que l’édition américaine. Jeannot Szwarc, au cours d’une interview de 35 minutes, réalisée en 2015, revient sur les aléas du tournage (pas d’argent, mais de la débrouille et un élan de solidarité incroyable) et révèle moult anecdotes (John Barry était l’époux de la meilleure ami de Jane Seymour, d’où sa présence au générique de ce film fauché…). On peut également découvrir un portrait pertinent de Richard Matheson par le professeur et spécialiste Pascal Monteville (30 minutes). Et enfin, les fans du film apprendront qu’un week-end Somewhere In Time se tient tous les deux ans depuis vingt-cinq ans au Grand Hotel de l’île Mackinac, haut lieu du tourisme du Michigan (le lien vers le site de l’hôtel est fourni).

Hotel

 

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Blunt

« Elle vient d’un monde où elle doit justifier chaque balle tirée, et elle se retrouve là où les gens tirent à tout va. »
Emily Blunt évoquant son personnage

Sicario
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Denis Villeneuve
2015 (En Blu-ray et DVD depuis le 8 février chez Metropolitan Vidéo)
Trois nominations aux Oscars 2016

En Arizona, en recherchant des otages, une unité d’élite du FBI découvre de nombreux corps mutilés dans une maison appartenant à narcotrafiquant. Kate Macer (Emily Blunt), l’agent de terrain chargée de l’affaire, se voit aussitôt proposer d’intégrer une cellule d’intervention clandestine dirigée par la CIA et le ministère de la défense, afin d’arrêter le chef du cartel mexicain responsable des meurtres. Mais la jeune femme est vite désemparée par les méthodes de barbouzes du chef de l’opération, l’agent du FBI Matt Graver (Josh Brolin) et par la personnalité trouble du consultant colombien qui l’accompagne (Benicio Del Toro), d’autant que les deux hommes prennent un malin plaisir à la laisser dans le brouillard…

Voir ma critique du film ICI

Benicio

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Le film, doté d’une image magnifique qui restitue l’immense travail sur la photo, et d’une piste DD 5.1 au relief impressionnant, est enrichi sur le DVD d’un bouquet de suppléments courts mais instructifs. Au cours d’un entretien de 12 minutes, Denis Villeneuve revient sur la manière dont il a adapté le scénario de Taylor Sheridan, en accentuant notamment l’antagonisme entre les personnages de Kate et d’Alejandro. Il ne tarit pas d’éloges envers le chef-opérateur du film, Roger Deakins, dont il admire la puissance poétique et narrative, et rend hommage au musicien Jóhann Jóhannsson auquel il avait demandé une musique façon Dents de la mer. L’interview est étayée par un reportage de 16 minutes dans lequel le cinéaste détaille davantage les aspects techniques et le travail sur les visuels (remarquables contrastes et jeux de lumière). On peut également entendre le point de vue de l’équipe technique. Enfin, un court module donne la parole aux acteurs, et notamment à une Emily Blunt très investie.

Jack

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LE CANARDEUR

Le premier long-métrage de Michael Cimino ressort en version remasterisée HD, en Blu-ray et DVD Collector. Six ans avant La porte du paradis, le film est une immersion dans les paysages grandioses de l’Ouest américain magnifiquement filmés en Cinémascope. Mais cette histoire d’amitié entre un braqueur désabusé et un jeune et fougueux aventurier porte aussi la marque de Clint Eastwood, qui a donné sa chance au jeune cinéaste pas encore maudit, et auquel Cimino rend hommage dans une interview exceptionnelle proposée en bonus.

 

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John “Thunderbolt” Doherty : What’s your name boy ?
Lightfoot : Lightfoot
You’re Indian ?
Nope, just American !

 

Le Canardeur (Thunderbolt and Lightfoot) 

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Michael Cimino
1974 (Blu-ray et DVD Collector chez Carlotta Films depuis le 19 novembre 2014)

Alors qu’il s’était mis au vert en se faisant passer pour un prêtre de campagne, le braqueur de banque John Doherty dit Thunderbolt (Clint Eastwood), célèbre pour son maniement du canon 20 mm, est pris pour cible par son ancien complice convaincu à tort qu’il a volé le magot de leur dernier casse. John parvient à s’enfuir grâce à l’intervention opportune de Lightfoot (Jeff Bridges), un jeune chien fou assoiffé d’aventure et voleur de voitures à l’occasion…

Au début des années 70, Clint Eastwood s’apprête à tourner sous la direction de Ted Post, Magnum Force, le deuxième épisode de la série des Dirty Harry. L’écriture du scénario avait été entamée par John Milius, futur cinéaste de Conan le barbare, avant qu’il abandonne pour s’en aller réaliser son propre film. Afin de finir le travail, Eastwood fait alors appel à un autre scénariste, quasi inconnu, Michael Cimino, dont il avait accepté de produire le premier long-métrage. Le succès de Magnum Force confortera la position de Cimino et lui permettra d’aborder Le Canardeur, mieux nommé dans sa version originale, sous les meilleurs auspices. Pour ce road movie qu’il avait d’abord imaginé comme un film d’époque, le réalisateur est parti des personnages avant même de s’intéresser à l’intrigue. Ici, l’alchimie fonctionne à merveille entre le voyou vieillissant, solitaire et désabusé campé par Eastwood et le jeune électron libre épanoui, enthousiaste et généreux incarné par Jeff Bridges, qui semblent inspirés de la personnalité même des deux acteurs. C’est aussi pour renforcer la crédibilité de ses héros que le cinéaste tourne en décors naturels. Et comme dans ses futurs Voyage au bout de l’enfer ou La porte du paradis, les paysages bucoliques, ici du Montana, sont d’une beauté spectaculaire. Filmés en Cinemascope, en plans larges, avec un savant travail de géométrie, les décors naturels sont éblouissants dès la première scène, épique, qui semble sortie tout droit d’un western de Sergio Leone. Il émane une poésie enivrante de cette virée criminelle dans le far west, émaillée de rencontres parfois surréalistes, tandis qu’on assiste à la naissance d’une véritable amitié. Mais Cimino maîtrise également et étonnamment bien les aspects comiques et absurdes de sa petite entreprise. Et le braquage improvisé par la petite bande de Thunderboldt sert de prétexte à des séquences truculentes, dans lesquels les seconds couteaux, George Kennedy et Joeffrey Lewis, se révèlent désopilants. Film de gansters, de casse ou néo-western, cette œuvre de jeunesse aux accents crépusculaires, dont l’intrigue est volontairement non-datée, vogue entre l’ancien monde et le nouveau, l’Ouest mythique célébré par John Ford et la société de consommation des seventies. Elle est également marquée par la présence de Clint Eastwood, mythe américain à lui seul. Le Canardeur s’inscrit ainsi très logiquement dans l’univers de l’icône, au sujet duquel le philosophe Alain Badiou écrivait en 2010, en référence à Un monde parfait :

« C’est bien ça — introduire un peu de justice dans l’univers visible — que l’espèce de perfection propre à Eastwood – cette sorte de droiture, qui ne s’autorise aucune invention formelle incertaine, qui utilise avec calme et suivi les ressources disponibles – désire nous transmettre : qu’il arrive dans le monde des rencontres salvatrices, qu’elles sont toujours paradoxales et menacées, et que le seul devoir est d’en protéger, autant que faire se peut, le devenir. Parce que, alors au moins, nous savons ce que pourrait être “un monde parfait”. »

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Test DVD Collector :

3D LE CANARDEUR DVD 

Interactivité ***
Le film est enrichi de deux documents audio exceptionnels. Le premier est une interview récente de Michael Cimino, qui revient sur la création du film. « Je ne commence jamais un scénario avec une idée, je commence un scénario avec une idée d’un personnage. » Il confie aussi avoir donné la mission à Jeff Bridges de faire sourire Clint Eastwood, à propos duquel il ne tarit pas d’éloges et qu’il considère comme “The best kind of American”. Le second document, une analyse du film par Jean Douchet, paraphrase un peu le premier, mais reste d’une grande justesse. Le programme est complété par la bande-annonce, non restaurée, ce qui permet de vérifier le fantastique travail de remasterisation effectué sur le film.

Image ****
Format : 2.40
L’image restaurée en 2K est sensationnelle. Les couleurs sont vibrantes à souhait (voir les chemises des deux héros en écho au ciel bleu), les contrastes, saisissants. Peu de flous et de fourmillements sont décelables. On imagine que le Blu-ray est encore plus performant.

Son ***
DD 1.0 en anglais sous-titré et français
Sous-titres français non imposés
Beau travail également sur la piste sonore qui se révèle claire et dynamique, sans souffle aucun.

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LE-CANARDEUR west 5
LE-CANARDEUR-west

LE-CANARDEUR west 2

 

 

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