EDDINGTON

Descendu en flammes par la critique lors de sa présentation au festival de Cannes dernier, où il était en compétition, l’impopulaire Eddington a réussi à inverser la tendance au point de s’imposer trois mois plus tard comme « Le film de l’été 2025 ». Ce n’est que justice pour le quatrième long-métrage du réalisateur des cauchemardesques Hereditary, Midsommar et Beau Is Afraid. Ici, il se penche sur le cas de l’Amérique au temps du Covid, tournant selon lui de l’histoire d’une société qui ne fait plus la différence entre ce qui est réel et ce qui ne l’est pas.  Emmenée par un Joaquin Phoenix littéralement possédé, cette satire hystérique aux allures de western, aussi drôle que flippante, est surtout terriblement pertinente.(PAS DE SPOILERS DANS CET ARTICLE)

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« Comment en est-on arrivé là ? »

 

EDDINGTON

Ari Aster
2025
Dans les salles françaises depuis le 16 juillet 2025

Mai 2020. Quelques jours après le meurtre de George Floyd à Minneapolis, les États-Unis font face à des émeutes et des manifestations antiracistes. Mais ce qui préoccupe surtout Joe Cross (Joaquin Phoenix), shérif de la petite ville d’Eddington au Nouveau-Mexique, ce sont les mesures pour limiter la propagation du Covid-19 (distanciation, port du masque…) mises en place par le maire (Pedro Pascal) qu’il a dans le collimateur depuis longtemps…

Le chaos. C’est à cela que ressemble le dernier opus en date de Ari Aster, cinéaste américain réputé pour ses fims horrifiques et malaisants. Avec Eddington, son quatrième long-métrage, le quadragénaire s’attaque cette fois aux dérives de l’Amérique, à la fracture sociale (le Civil War de Alex Garland, n’est pas loin), et met dans une même cocotte-minute tous les fléaux modernes : addiction aux réseaux sociaux, débilité, racisme, wokisme, anti-wokisme, complotisme, désinformation, paranoïa, corruption, violence… Dans une ville en vase clos, deux personnalités s’affrontent : un maire progressiste qui favorise l’implantation d’un data center, et un shérif pétri de névroses et de rancœurs, époux d’une femme dépressive et épié par une belle-mère conspirationniste. L’obligation du port du masque sera chez ce gardien de la paix au bord de l’implosion (et asthmatique de surcroît…) la goutte d’eau qui fait déborder le vase. Joaquin Phoenix, déjà de Beau Is Afraid, s’en donne à cœur joie dans la peau de ce loser frustré qui part en vrille. Son comportement erratique et absurde (puis extrême) suscite souvent l’hilarité. Pedro Pascal est impeccable en maire pas si propre sur lui qui ne cesse d’humilier et de damer le pion à son rival. Dans ce western magnifiquement photographié par Darius Khonji, où le téléphone portable a remplacé les armes à feu, quasiment chaque personnage est, à sa manière, un syndrome de la déliquescence de la société contemporaine. Chronique d’une catastrophe annoncée, Eddington, excessif et outré (l’épilogue est carrément grotesque), est un miroir à peine déformant de son époque et d’un monde en perdition dont le sort est entre les mains de psychopathes avérés. Hélas, c’est le nôtre.

 À noter qu’Eddington n’existe pas. La ville du Nouveau-Mexique qui sert de décor au film se nomme en réalité Truth or Consequences. Ironie ? On ne sait pas…

2 h 28. Et avec Emma Stone, Austin Butler, Luke Grimes, Michael Ward, Deirdre O’Connell, Clifton Collins Jr., Matt Gomez Hidaka, William Belleau, Amelie Hoeferle, Cameron Mann…

 

LES CLASSIQUES DE L’ÉTÉ en Blu-ray : Alamo/Marché de brutes

                                            « Je ne savais pas que la nuit pouvait être si noire. » Jim Bowie (Richard Widmark)

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ALAMO (The Alamo)

John Wayne
1960
Éditions Blu-ray et DVD parues chez ESC Distribution en juillet 2021

 

En 1836, le Texas, alors gouverné par le Mexique mais peuplé par une majorité d’Américains, refuse la dictature du général Santa Anna et réclame son indépendance. Ce dernier, à la tête d’une armée de sept mille soldats aguerris, a bien l’intention de mettre ces révoltés au pas. Pour se préparer à le contrer, le commandant Houston (Richard Boone) charge le colonel Travis (Laurence Harvey) de retarder l’avance de l’armée mexicaine dans la petite mission fortifiée d’Alamo, près de la frontière. La poignée de soldats de Travis est rejointe par les volontaires menés par le légendaire Davy Crockett (John Wayne) et la petite bande de fidèles du non moins célèbre Jim Bowie (Richard Widmark). Au total, 187 hommes pour en arrêter des milliers…

 

Réaliser Alamo était un rêve que John Wayne caressait depuis vingt ans. L’immense notoriété de l’acteur ne lui a pas pour autant permis de convaincre un studio, et c’est en indépendant qu’il s’est finalement attelé à ce projet, se chargeant de la production, de la mise en scène et endossant, en prime, le costume à franges de Davy Crockett. Le tournage, à Bracketville au Texas, fut mémorable, et le budget, colossal (John Wayne mit de longues années à s’en remettre). Il ne fallait pas lésiner sur les moyens pour rendre hommage aux héros d’Alamo  : construction du fort à l’identique ainsi qu’une partie du village, figurants par milliers, pléthore de cascadeurs, mille cinq cents chevaux, quatre cents vaches… John Wayne, qui avait tout appris de John Ford, s’est entouré d’une équipe de chevronnés dont le directeur photo William H. Clothier (Les Cheyennes, L’homme qui tua Liberty Valance…) ou le compositeur Dimitri Tiomkin — le fameux thème nostalgique The Green Leaves Of Summer accentue la puissance émotionnelle du film. Car par ses scènes d’action spectaculaires, bagarres viriles suivies de beuveries et séquences intimistes, Alamo célèbre le courage, l’esprit de sacrifice, d’indépendance, le sens de l’honneur et de l’amitié : toutes les valeurs chères au Duke et à l’Amérique. Sans manichéisme cependant, le film regorge d’humanisme et glorifie la hardiesse des combattants mexicains. Certes, tout ça manque parfois de subtilité et prend des libertés avec la vérité historique, mais on se délecte des joutes verbales entre Travis et Jim Bowie (ou entre Travis et Davy Crockett), et de l’humour bon enfant émanant des seconds rôles, certains étant des figures du western. Au grand dam de son réalisateur, cette fresque épique dont la mise en scène emprunte au classicisme de Ford, ne sera saluée que par un seul Oscar (sur sept nominations) pour le son (la campagne des Oscars, plutôt maladroite, avait joué contre le film). Aujourd’hui réhabilité, Alamo, dont la durée initiale fut très tôt amputée, ne fut pas plus un succès critique que public. En ce début des 60’s, le cinéma était en plein bouleversement. L’écume des nouvelles vagues commençait à bouillonner et ce western élégiaque n’était pas du goût de la critique. Quant au public, il connaissait trop bien la fin tragique des héros d’Alamo et n’avait nulle envie de voir mourir Wayne ou Widmark à l’écran. Enfin, la légende veut que John Ford, venu en ami sur le tournage, ait réalisé des séquences (une caméra lui avait même été allouée pour qu’il filme quelques plans). Mais de l’aveu des témoins de l’époque, peu de choses ont été conservées. John Wayne, malgré toute l’amitié et admiration qu’il portait au cinéaste, n’avait nulle envie de se faire voler la paternité de son œuvre.

 2h 35 Et avec Frankie Avalon, Patrick Wayne, Linda Cristal, Joan O’Brien, Chill Wills…

 

TEST BLU-RAY COLLECTOR ****

 

 

Version cinéma et version longue en VF et VOST
Le digipack collector Blu-ray, accompagnée d’un livret de 48 pages supervisé par Marc Toullec, propose la version cinéma du film (2 h 35) assortie d’une présentation de 38 mn par le spécialiste du western Jean-François Giré. La copie est magnifique, contrastée et très propre. Sur le second Blu-ray consacré aux suppléments, on peut découvrir la version longue du film (3 h 21), dans une copie plus médiocre, provenant d’une source analogique et dite de « qualité d’archives ». On y trouve notamment l’ouverture musicale et l’intermède, mais aussi plusieurs scènes intimistes, telles ces séquences romantiques avec Linda Cristal ou l’anniversaire de la petite Lisa Dickinson (Aissa, fille de John Wayne). Les amoureux du film apprécieront tous ces instants supplémentaires, mais aucune de ces scènes ne vient combler un quelconque manque.

 

Making of et interview de Patrick Wayne

Les autres suppléments sont excellents. Le making of du film (68 mn), réalisé en 1992, est truffé de témoignages (Budd Boetticher, le chef-opérateur William H. Clothier, Frankie Avalon…) et de séquences d’archives du tournage. On y voit John Ford sur le plateau, et comment John Wayne, un peu embarrassé par sa présence, lui avait alloué un cameraman pour l’occuper, tout en sachant qu’il ne garderait rien, ou presque, des images tournées. Dans un formidable entretien réalisé en 2021, Patrick Wayne, jeune acteur dans Alamo, dévoile la relation forte qu’il entretenait avec son père, et se remémore des anecdotes truculentes du tournage. Une visite du musée John Wayne (10 mn) à Winterset en Iowa, lieu de naissance de l’acteur, une galerie de photos et la bande-annonce originale complètent le programme.

 

 

Une édition 2-DVD est également disponible. Elle ne comprend pas la version longue ni le making of. 

 

 

 

 

 

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« Mon père était instituteur. Il est mort pendant la Dépression… Vous croyez vous battre ! Stupidement, avec une arme ! Mais il y a une autre manière : se battre, tous les jours, pour manger, s’instruire, avoir un travail et de l’amour-propre. »

 

MARCHÉ DE BRUTES (Raw Deal)

Anthony Mann
1948

Combo Blu-ray-DVD paru chez Rimini Éditions le 15 juin 2021

Le truand Joe Sullivan (Dennis O’Keefe) s’évade de la prison de San Quentin, au nord de San Francisco, avec l’aide de son amie Pat (Claire Trevor), très éprise de lui. Le réservoir de la voiture ayant été touché par les tirs des gardiens, Joe est contraint de demander de l’aide à Ann Martin (Marsha Hunt), la jeune assistante de son avocat, qui en pince pour lui. Mais celle-ci, intègre, menace de le dénoncer. Il n’a d’autre choix que de la prendre en otage, au grand dam de Pat. Joe entraîne les deux femmes dans une folle cavale, avec l’intention de retrouver son complice, le caïd Rick Cole (Raymond Burr), qui lui doit de l’argent et a fomenté son évasion. Il ignore que ce dernier a juré sa perte…

Marché de brutes paraît aux États-Unis en 1948, cinq mois après La brigade du suicide (T-Men), autre excellent film noir de Mann, déjà interprété par Dennis O’Keefe. Aujourd’hui oublié, l’acteur à la silhouette sportive s’est distingué dans des longs métrages d’action et quelques comédies, comme Brewster’s Millions d’Allan Dwan. Il n’a cependant pas le charisme ni le talent d’un James Stewart qui sera, quelques années plus tard, l’acteur fétiche de Mann, et contribuera aux chefs-d’œuvre du western réalisés par ce dernier (Winchester 73, L’appât, L’homme de la plaine…). O’Keefe donne ici la réplique à Claire Trevor, l’inoubliable prostituée de La chevauchée fantastique de John Ford, qui décrochera en 1949 l’Oscar du Meilleur second rôle pour sa performance dans Key Largo. C’est elle qui donne le ton à ce film noir désespéré, marqué par la fatalité. Il est en effet introduit par le récit de Pat, en voix off, sur une musique lancinante, façon Rebecca d’Alfred Hitchcock, qui installe aussitôt une atmosphère romanesque, onirique et désenchantée. Car en dépit de son titre viril (en français notamment), Marché de brutes est un film féminin. Alors qu’il vient de s’évader, Joe Sullivan se retrouve très vite coincé. Non seulement il a la police et ses ex-complices aux trousses (Raymond Burr et John Ireland, les brutes du film, campent des malfrats véritablement sadiques — la scène dans laquelle Rick ébouillante sa petite amie préfigure celle de Règlement de comptes de Fritz Lang), mais il est constamment déchiré entre les deux femmes qui l’accompagnent dans sa cavale. Il est reconnaissant envers celle de mauvaise vie, dite « la fatale » (qui n’en est pas moins humaine) et irrésistiblement attiré par l’honnête, garante de la morale, qui voit en lui l’homme qu’il aurait pu être. Anthony Mann filme de main de maître et à un rythme trépidant cette course-poursuite à travers la Californie. À la photo, le génial chef-opérateur John Alton, « peintre de la lumière » et alter ego du cinéaste, fait des merveilles : clairs obscurs, jeux d’ombres, brouillards, contrastes prononcés, profondeurs de champ audacieuses, cadrages inquiétants… Le film noir dans toute sa splendeur !
1 h 19 Et avec Curt Conway, Richard Fraser, Whit Bissell…

 

TEST BLU-RAY ***

 

 

Le combo Blu-ray+DVD propose le film, récemment et superbement restauré par ClassicFix, assorti d’une analyse de Jacques Demange, critique à Positif, qui met l’accent sur la maîtrise d’Anthony Mann et de son chef-opérateur (14 mn).

Il est accompagné d’un épatant livret illustré, signé Christophe Chavdia. Le journaliste revient sur la carrière d’Anthony Mann (que Jean-Luc Godard avait surnommé « Super Mann ») et sur celle de son directeur photo John Alton, avec qui le cinéaste a écrit une sorte de « grammaire » du film noir. Il narre aussi les aléas de la production de Marché de brutes, qui eut maille à partir avec la censure de l’époque et évoque la personnalité de l’actrice Marsha Hunt, cent trois ans en 2021, ce qui fait d’elle la doyenne des comédiennes américaines vivantes !

3 X GREGORY PECK (BR/DVD Le pays de la violence, La cible humaine, Les Bravados)

Photo Eileen Darby/The Life/Getty (1946)

 

Quel acteur étrange et fascinant que Gregory Peck ! Il semble à l’écran toujours embarrassé par son physique avantageux. Grand, athlétique, il n’éprouve nul besoin de rouler des mécaniques comme Charlton Heston, son partenaire de l’épatant Les grands espaces (The Big Country). Il ne suscite pas non plus la sympathie immédiate comme un James Stewart ou un Robert Mitchum. S’il a souvent été critiqué pour son jeu singulier, sa raideur et son manque de naturel, c’est que, chez lui, tout est intérieur. Gregory Peck prise les antihéros et excelle dans les personnages tourmentés. Son jeu à l’économie rejaillit sur ses films, qu’il rend « spéciaux », et qui deviennent presque un genre à part entière. Durant toute sa vie, ce progressiste dans l’âme, démocrate engagé épris de justice, a personnifié la droiture morale et l’élégance (comme par hasard, il était l’ami d’Audrey Hepburn…). Et même s’il a brillé en crapule dans Duel au soleil et Ces garçons qui venaient du Brésil, le rôle qui lui colle à la peau restera celui d’Atticus Finch, l’avocat valeureux de Du silence et des ombres… (To Kill a Mockingbird), le film dont il était le plus fier et qui lui a valu l’Oscar en 1963. Trois joyaux de la filmographie de cette icône hollywoodienne, un contre-emploi et deux quasiment sur mesure, sont disponibles en Blu-ray et DVD chez Sidonis Calysta dans des éditions remarquables.

 

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I keep a close watch on this heart of mine
I keep my eyes wide open all the time
I keep the ends out for the tie that binds
Because you’re mine, I walk the line…
Johnny Cash

  

LE PAYS DE LA VIOLENCE (I Walk The Line)

John Frankenheimer
1970
Edition Collector Combo DVD + Blu-ray + Livre disponible chez Sidonis Calysta depuis le 5 décembre 2020

Henry Tawes (Gregory Peck) est le shérif respecté d’une petite bourgade rurale du Tennessee où il ne se passe pas grand-chose. Réputé pour sa rigueur, sa droiture et son sens moral, cet homme marié et père d’une adolescente est en fait las de son existence routinière, de son couple, et aspire à autre chose. Sa rencontre avec la jeune et jolie Alma McCain (Tuesday Weld), fille d’une famille de bootleggers récemment arrivés dans le comté, va remettre sa vie en perspective…

Le générique d’ouverture est à lui seul un petit bijou. Tandis que résonne la chanson de Johnny Cash qui a donné son titre au film en version originale, on découvre la bourgade de Gainesboro (à une heure et demie de Nashville) et ses habitants. Ces adultes, vieillards et enfants miséreux et désœuvrés sont le visage de l’Amérique profonde marquée par la Grande Dépression, où le temps semble s’être arrêté. Pour ces séquences criantes de vérité filmées au téléobjectif et au débotté, John Frankenheimer s’est inspiré du travail de la célèbre photographe Dorothea Lange. Dans le film, adapté du roman An Exile, du romancier du cru Madison Jones, cet environnement désenchanté est celui de Henry Tawes, shérif sage et respecté des lieux. Flanqué d’un adjoint vulgaire et fouineur (Charles Durning), d’une épouse dévouée mais qu’il n’aime plus (touchante Estelle Parsons), cet homme au bord de l’implosion continue malgré tout à faire preuve de conscience professionnelle. La rencontre avec la solaire Alma va déclencher un séisme. I Walk The Line, titre à double-sens, narre la chute d’Henry Tawes, qui se confond pour les spectateurs avec celle de la figure iconique de son interprète, défenseur des valeurs morales et image de la décence par excellence. Ironie de l’histoire, Frankenheimer aurait préféré Gene Hackman, avec qui il était davantage en connivence, mais la Columbia lui a imposé Peck. Le réalisateur, mécontent du travail de ce dernier sur le film – le jugeant trop raide –, lui en attribuera l’échec. C’est pourtant tout le contraire. Gene Hackman, génial acteur au demeurant, aurait été bien trop déchiffrable. Voir le noble Gregory Peck sortir de sa zone de confort pour jouer ce personnage désespéré et amoureux transi (d’une très jeune fille, qui plus est) rend Henry Tawes encore plus juste. Mal à l’aise, mutique, il est bouleversant. Le comédien conservera lui aussi une certaine amertume vis-à-vis de ce rôle, aux antipodes de sa personnalité, qui, en prime, lui vaudra à l’époque un vrai rejet de la part du public. Après des années de purgatoire, Le pays de la violence — titre français sujet à caution, mais, pourtant pertinent, choisi par Bertrand Tavernier lors de la première projection en France – a aujourd’hui été réhabilité par la critique, tout comme le film précédent de Frankenheimer — le formidable Les parachutistes arrivent (The Gypsy Moths) — avec lequel il partage de nombreuses similitudes. La mise en scène inventive, la profondeur des personnages, le caractère imprévisible de l’intrigue, tout sauf consensuelle, et la peinture pleine d’humanité des habitants de cette petite ville sans perspective, en font une œuvre cruelle, pertinente et passionnante. Les chansons ad hoc, signées Johnny Cash, écrites et composées spécialement pour le film (même I Walk The Line, enregistrée en 1956, est ici augmentée d’un couplet), sont en quelque sorte la voix intérieure d’Henry Tawes. Et puis, ce film « maudit » permet de redécouvrir aussi Tuesday Weld, « l’ange sauvage d’Hollywood » ainsi que la surnomme Olivier Père (auteur du livret de cette édition), actrice oubliée mais douée, qui campe avec brio cette lolita de campagne toute en fragilité et ambivalence.
1 h 37 Et avec, Ralph Meeker, Jeff Dalton, Lonny Chapman, Freddy McCloud…

 

TEST ÉDITION COLLECTOR COMBO

Interactivité *****
Du lourd ! Dans le DVD comme le Blu-ray, le film est enrichi d’une présentation pertinente et truffée d’anecdotes de Thierry Frémaux, qui retrace le destin de ce film mal aimé de son réalisateur, et revient sur l’implication de Bertrand Tavernier qui s’est acharné à le faire découvrir en France (30 mn). Le critique Jean-Baptiste Thoret, grand amoureux du cinéma américain des 70’s fournit un commentaire audio sur des scènes clés (20 minutes). Côté archives, on trouve un court making of et la bande-annonce d’époque, Johnny Cash chantant « The City Of New Orleans » dans le clip Riding The Rails (1974), et deux prestations live du musicien, interprétant deux morceaux du film « I Walk The Line » et « Flesh And Blood ». Enfin, le livre de 96 pages (illustré d’affiches et de photos d’archives), dont 30 sont signées par le critique et journaliste Olivier Père – actuel directeur d’Arte France Cinéma –, est un bonheur. Il revient sur l’histoire du tournage ainsi que sur les carrières de Frankenheimer, Gregory Peck et Tuesday Weld. Le livre se clôt sur une longue interview du réalisateur réalisée par Bertrand Tavernier et Michel Ciment, parue dans le numéro 122 de Positif en décembre 1970.

Image ***
Format : 2.35
Ne pas s’attendre à la restauration du siècle. L’image proposée par le Blu-ray résulte d’un master ancien, probablement le seul à ce jour. La qualité de la définition varie d’une séquence à l’autre mais rien cependant qui n’altère le plaisir de découvrir le film, d’autant que l’ensemble reste très propre

Son ***
DTS-HD Master Audio 2.0 en VOST et français
Idem côté sonore. Une piste stéréo qui ne fait pas de vagues, mais très convenable vu l’âge du film.

 

 

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« What about my boy ? Does he think I’m a hero ?
– No, matter of fact, I heard he’s a Wyatt Earp man. »

 

LA CIBLE HUMAINE (The Gunfighter)

Henry King
1950
Combo DVD + Blu-ray disponible chez Sidonis Calysta

Jimmy Ringo (Gregory Peck) a la réputation d’être le tireur le plus rapide de l’Ouest. Et même s’il a tourné le dos à son passé violent, où qu’il aille, il se trouve toujours un excité pour vouloir se mesurer à lui, afin d’entrer à son tour dans la légende. Las de fuir d’une ville à l’autre, Jimmy aimerait renouer avec son épouse Peggy (Helen Westcott) qu’il a abandonnée il y a quelques années, et faire enfin la connaissance de son jeune fils. Mais alors qu’il se rend à Cayenne pour la retrouver, il fait escale dans un saloon et est provoqué par un jeune irresponsable. Pas de chance, ce dernier avait trois frères. Ceux-ci ne tardent pas à se lancer à sa poursuite avec la ferme intention de le venger…

Après Un homme de fer (Twelve O’Clock High), La cible humaine (parfois titré en français L’homme aux abois) est la deuxième collaboration de Gregory Peck et du cinéaste Henry King, qui feront encore quatre films ensemble, dont Bravados, autre western atypique. L’acteur prendra en quelque sorte le relais de Tyrone Power, qui était jusqu’ici le comédien fétiche du réalisateur. Le jeu détaché de Peck, à l’économie, convenait idéalement à King. Son interprétation de cet homme traqué, qui guette constamment la mort, n’en est pas moins saisissante. Le personnage de Jimmy Ringo est un clin d’œil au véritable hors-la-loi Johnny Ringo, mais l’idée du film est plus pittoresque. Elle est venue au célèbre réalisateur André De Toth. Dans le sensationnel livre d’entretiens Amis américains de Bertrand Tavernier, De Toth raconte qu’il avait remarqué, lors de ses virées dans les bars avec Errol Flynn ou Humphrey Bogart, que ceux-ci étaient constamment provoqués par de jeunes écervelés. De Toth y a vu une similitude avec ce que devaient vivre, au quotidien, les as de la gâchette du vieil Ouest. Avec son scénariste de talent William Bowers, le réalisateur rédige un premier synopsis de The Gunfighter et songe à Gary Cooper. Hélas Coop’, contrairement à De Toth, n’est pas en contrat avec Darryl Zanuck. Ce dernier, refusant de dépenser un centime pour débaucher l’acteur, lui impose Gregory Peck. Pour De Toth, ce comédien à l’allure de professeur est un choix rédhibitoire, une erreur de casting. Il ne tarde pas à claquer la porte, laissant la responsabilité du projet à Bowers qui, dès lors, va collaborer avec le cinéaste Henry King, amené sur le projet par Gregory Peck. Tourné en noir et blanc, La cible humaine a une beauté crépusculaire qui resplendit dès le générique. Épuré, intelligemment mis en scène, le film, dénué de musique, démystifie le hors-la-loi et joue la carte du réalisme (King s’est inspiré de tableaux des peintres de l’Ouest américain, comme Frederic Remington), ce qui le rend également incroyablement moderne. Aujourd’hui considéré comme un chef-d’œuvre, ce western a pourtant fait un four auprès du public. En cause : la moustache de Gregory Peck, idée du scénariste William Bowers et qui avait enthousiasmé l’acteur, mais n’a pas été du goût de ses fans.
1 h 25 Et avec Millard Mitchell, Jean Parker, Karl Malden…

 

 COMBO Blu-ray + DVD 

Le film ici dans une version récemment restaurée et de toute beauté, est assorti d’une formidable présentation par Bertrand Tavernier (26 minutes), grand admirateur de King Vidor (« le cinéaste le plus sentimental du cinéma américain mais dénué de sensiblerie ») et du travail de Gregory Peck, qui raconte avec passion l’histoire de ce tournage. Complémentaire, Patrick Brion arrive en renfort pour évoquer lui aussi ce qu’il considère comme un chef-d’œuvre du western, souvent comparé au fameux Le train sifflera trois fois. Détail amusant, la bande-annonce d’époque est présentée par Gene Tierney.

 

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« C’est gâcher de la bonne charpente, un arbre aurait aussi bien fait l’affaire.
– Ils sont condamnés à être pendus, pas à être lynchés. »

 

LES BRAVADOS (The Bravados)

Henry King
1958
Combo Blu-ray + DVD + Livre disponible chez Sidonis Calysta

Le mystérieux Jim Douglass (Gregory Peck) arrive dans la petite ville de Rio Arriba, près de la frontière mexicaine, la veille de la pendaison de quatre malfrats qui ont attaqué la banque et tué un des employés. Les habitants et le shérif le prennent d’abord pour le bourreau dont ils attendent la venue, puis s’interrogent sur ses motivations. Jim dit vouloir simplement assister à l’exécution de ces meurtriers qu’il pourchasse depuis six mois. Mais alors que Jim assiste à la traditionnelle messe du soir, les bandits parviennent à s’échapper…

Comme Le gaucher et L’homme de la plaine, sur les écrans la même année, Bravados introduit une profondeur psychologique à l’imagerie du western. C’était aussi le cas huit ans plus tôt dans La cible humaine, autre collaboration de Henry King et Gregory Peck. On retrouve ici les thèmes chers au metteur en scène, un peu oublié aujourd’hui par les critiques et cinéphiles. Une désaffection due en grande partie à l’importance de la religion dans son cinéma (il est l’auteur de La vie de Bernadette) et Bravados en est également profondément marqué. Cette messe de veillée de l’exécution, qui permet aux habitants de prier pour les hommes qui vont mourir est assez symbolique. Mais comme l’a souvent souligné Bertrand Tavernier, Henry King est aussi le cinéaste de l’americana, des petites villes de l’Ouest, et ses films sont toujours empreints d’un formidable humanisme. Bravados narre la quête de vengeance d’un individu déterminé à faire justice lui-même, et qui va voir ses convictions s’effondrer. Le combat intérieur de cet homme bon qui s’est écarté de son chemin a quelque chose de fascinant. On ne dévoilera pas les rebondissements de l’intrigue, mais le twist final, plutôt bien amené, donne lieu à une scène magnifique que Gregory Peck joue avec sa sobriété légendaire. A contrario, la subtilité n’est pas le fort de Joan Collins, ici amusante en propriétaire de ranch autrefois éconduite par Jim Douglass, toute en regards énamourés. Parmi les bandits, on reconnaîtra Stephen Boyd (deux ans plus tard, il recevrait le Golden Globe du Meilleur second rôle pour Ben-Hur), le mythique Lee Van Cleef, Henry Silva, et dans un petit rôle, Joe DeRita, qui sera, dès cette année 1958, membre des Three Stooges. Enfin, il faut saluer la beauté de la photographie de Leon Shamroy. La silhouette du cavalier en nuit américaine, qui ouvre le film, est une splendeur.
1 h 38 Et avec Barry Coe, Herbert Rudley, Ken Scott…

 

 COMBO Blu-ray + DVD + Livre

Une fois n’est pas coutume, c’est le monteur Jean-François Giré et non Bertrand Tavernier qui présente le film, proposé dans cette édition dans une version de très belle facture. Il explore avec brio les thématiques de Bravados en insistant sur le caractère religieux du cinéma de King (15 minutes). Patrick Brion revient, entre autres, sur la relation fusionnelle entre le cinéaste et son interprète. On peut découvrir aussi une brève intervention de Joe Dante, qui non sans surprise, préfère les méchants du film, ainsi qu’une petite interview de Joan Collins, qui se remémore avoir été très effrayée par le fait de monter à cheval. Cette fois, la bande-annonce d’époque est présentée par Gregory Peck en personne. L’édition fournit également un livre de 90 pages truffé d’anecdotes et de photos, consacré à l’acteur en tant qu’icône du western.