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SEXE, MENSONGES ET VIDÉO en Blu-ray

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Culte pour toute une génération, la Palme d’Or de Cannes 1989, qui a relancé le cinéma indépendant américain, est pour la première fois disponible en Blu-ray en France. Le film a bénéficié d’un nouveau master Haute Définition et de suppléments de haute volée… Indispensable !

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« You’re right, I’ve got a lot of problems… But they belong to me. »

  

SEXE, MENSONGES & VIDÉO (Sex, Lies And Videotape)

Steven Soderbergh
1989
Edition Collector 4K Ultra HD + Blu-ray, Blu-ray et DVD parus chez L’Atelier d’images en février 2022

John (Peter Gallagher) est un jeune avocat opportuniste qui a réussi et trompe, dans le plus grand secret, son épouse devenue frigide (Andie MacDowell) avec la sœur de cette dernière, plutôt délurée (Laura San Giacomo). Le cours de leurs vies va être radicalement altéré par l’arrivée d’un ancien ami d’université de John, Graham (James Spader), individu aussi étrange que fascinant. Ce dernier a la manie de collectionner les cassettes vidéo sur lesquelles il enregistre les témoignages de femmes sur leurs expériences amoureuses et sexuelles…

Coup d’éclat du 42ème festival de Cannes, où il a raflé la Palme d’or de manière totalement inattendue, Sexe Mensonges & vidéo a révélé en 1989 le génie de son auteur, Steven Soderbergh, alors et seulement âgé de vingt-six ans. Wim Wenders, président du festival cette année-là, avait eu un coup de foudre pour ce premier film audacieux et parfaitement maîtrisé, interprété par un quatuor de jeunes comédiens talentueux et quasi-inconnus. Le prodige n’avait nullement anticipé le succès de son film à petit budget (d’un million et demi de dollars, il allait en rapporter soixante…) qu’il destinait plutôt au marché de la vidéo. Il avait compté sans l’enthousiasme des cinéphiles et trentenaires de l’époque, séduits par le sentiment de modernité et de liberté émanant de cette œuvre puissante, subversive et plus politique qu’elle en avait l’air. Steven Soderbergh, qui s’était inspiré d’éléments de sa propre vie, avait confié à la revue Positif que ce drôle de titre rassemblait les thèmes du film, mais également ceux de l’Amérique de l’époque : « La vente du sexe, la pratique du mensonge et l’invasion de la vidéo. » Sexe Mensonges & vidéo reflète aussi le sentiment de malaise que peut inspirer la pseudo-liberté sexuelle, et évoque avec pertinence les problèmes de relation et de communication entre les êtres. À l’écran, le sexe y est plus commenté que pratiqué, et c’est bien ce qui fait l’attrait de ce film cérébral où l’ambiguïté est reine et l’érotisme latent. Couronné du Prix d’interprétation masculine à Cannes, James Spader (le futur Reddington de la série Blacklist) n’a jamais été plus sexy que dans ce rôle d’impuissant qui manipule les femmes, tandis qu’Andie MacDowell, la Jane de Greystoke, en révoltée entreprenante, donnait toute la mesure de son talent. À noter qu’il s’agissait de la première bande originale composée par Cliff Martinez (Solaris, Drive, The Neon Demon…), illustre batteur des Red Hot Chili Peppers et de Captain Beefheart.
1 h 40 Et avec Steven Brill, Ron Vauwter, Alexandra Root…

 

TEST EDITION COLLECTOR 

 

Interactivité ****
Les suppléments, dont beaucoup sont inédits, sont une véritable mine d’or et proviennent des trois rééditions successives (2009, 2018 et aujourd’hui). Philippe Rouyer, journaliste à Positif, revient avec fougue et moult anecdotes sur la genèse du film, son incroyable sacre à Cannes et insiste sur le fait qu’il a contribué à encourager une nouvelle vague de réalisateurs, relançant le cinéma indépendant américain quasiment disparu depuis la fin du Nouvel Hollywood (24 minutes). Il analyse ensuite une scène du film avec beaucoup de pertinence. On apprécie également le commentaire audio du réalisateur conversant avec Neil La Bute, cinéaste révélé par le sulfureux En Compagnie des hommes et fervent disciple de Soderbergh. Les coulisses du tournage, document de 28 minutes tourné en 2018 pour l’édition Criterion, permet de retrouver trois des acteurs du film se remémorant leur expérience (manque James Spader, grand absent ici…). Cliff Martinez et l’ingénieur du son Larry Blake évoquent ensuite leur travail sur la bande-son (19 minutes). Soderbergh commente une scène inédite, avant de rappeler ses influences dans une séquence d’archives enregistrée en 1990. On se régale aussi des interventions des acteurs et du cinéaste captées dans un court document réalisé à Sundance à l’occasion du 20ème anniversaire du film, qui y avait à l’époque remporté le Prix du Public avant de faire la carrière internationale qu’on lui connaît.

Image ****
Format : 1.85
Réputé pour le soin apporté aux restaurations, L’Atelier d’images propose la version du film la plus éblouissante à ce jour sur le Blu-ray UHD de cette édition collector (qui inclut le Blu-ray HD). La restauration provient du travail déjà effectué par Criterion en 2018 à partir du négatif original. La qualité des contrastes, la précision de l’image et la gestion des couleurs sont plus que probantes.

Son ***
DTS-HD Master Audio 5.1 en anglais et français
Le son n’est pas le point fort de l’édition. Il a néanmoins été remixé lui aussi sous la supervision de Steven Soderbergh. En bref : ne pas s’attendre à de grands effets multicanaux, mais à un équilibre sonore de qualité, idéal pour une œuvre aussi intimiste.

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À noter que L’Atelier d’images publie le 19 avril 2022 une belle édition Blu-ray de l’étonnant The Jacket, film indépendant coproduit en 2005 par Steven Soderbergh et Georges Clooney, réalisé par John Maybury et interprété, entre autres, par Adrien Brody et Keira Knightley. L’édition est enrichie d’un making of de 28 minutes.

OSCARS – CÉSAR 2022

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Jessica Chastain, Oscar de la Meilleure actrice (Photo Abaca)

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OSCARS 2022

La 94ème édition, qui s’est tenue le 27 mars au Dolby Theater de Los Angeles, marque un tournant dans l’histoire des Oscars et pas seulement pour l’accès de violence de Will Smith : 2022 sonne l’avènement des plateformes de streaming. Trois films en compétition cette année y étaient destinés : Netflix pour Power Of The Dog et Don’t Look Up et Apple TV pour CODA, qui a reçu la récompense suprême. D’autres, comme Spencer, Being The Ricardos et Dans les yeux de Tammy Faye, qui ont valu à Kristen Stewart, Nicole Kidman et Jessica Chastain d’être nommées à l’Oscar de la Meilleur actrice, l’étaient aussi. Après des années d’atermoiements, l’Académie a plié et s’est adaptée à son époque.


Photo People.com

Il n’y a pas qu’envers les plateformes qu’on a pu constater une volonté d’ouverture. En 2022, exit les hashtags #oscarssowhite. Place désormais à la diversité. Le coup d’envoi de la soirée a été donné par les sœurs Williams, en décolletés Elie Saab pour l’une, Gucci pour l’autre, Les championnes de tennis ont introduit Beyoncé, interprète de « Be Alive », chanson en compétition pour le film La méthode Williams (King Richard), qui retrace leurs débuts et brosse le portrait de leur père autoritaire. Cette séquence musicale spectaculaire couleur balle de tennis a été filmée sur un cours de Compton, dans la banlieue de Los Angeles, là où Venus et Serena s’entraînaient dans leur jeunesse. C’est ensuite à l’actrice Regina Hall et les humoristes Wanda Sykes et Amy Schumer qu’est revenu l’honneur d’ouvrir la cérémonie.


Photo Robyn Beck/AFP/Getty Images

Regina Hall : « Je suis ravie d’être maîtresse de cérémonie, représentante des femmes noires qui sont fières de l’être.
Wanda Sykes : Oui, et on le dit haut et fort.
Amy Schumer : Et moi, je représente ces femmes blanches insupportables qui appellent les flics si elles s’expriment un peu trop fort. »

 

L’UKRAINE

Une minute de silence a été observée durant la cérémonie et certains invités, comme Jason Momoa, Jamie Lee Curtis ou Benedict Cumberbatch, arboraient un rappel des couleurs de l’Ukraine sur leurs tenues.

 

LA GIFLE


Photo Robyn Beck/AFP

La soirée se serait déroulée sans accroc si le comédien Chris Rock, dont la subtilité n’est pas légendaire, ne s’était mis en tête de tacler des invités, dont la belle Jada Pinkett Smith, en comparant son crâne rasé à celui de Demi Moore dans À armes égales (G.I. Jane) de Ridley Scott. A priori, pas de quoi fouetter un chat. Sauf que l’épouse de Will Smith souffre d’alopécie, une maladie auto-immune qu’elle a publiquement évoquée sur sa chaîne YouTube au début de l’année. Alors que Will Smith semblait s’amuser de la plaisanterie, son épouse a clairement montré sa désapprobation. Will Smith a alors choisi de défendre l’honneur de celle-ci en fondant sur Chris Rock et en lui administrant une gifle, laissant l’assemblée abasourdie, ne sachant s’il s’agissait d’un sketch ou d’un véritable coup de sang. En se rasseyant, tandis que Chris Rock tentait de reprendre ses esprits, il lui a intimé de plus prononcer le nom de sa femme : « Keep my wife’s name out your fuckin’ mouth ».

Ce n’est pas la première fois que Chris Rock s’en prend à Jada Pinkett Smith. Il ne s’était pas privé de la tourner en ridicule en 2016 alors qu’il était maître de cérémonie :

« Jada Pinkett Smith était folle. Elle a dit qu’elle ne viendrait pas en signe de protestation. Jada qui boycotte les Oscars, c’est comme moi qui boycotterais la culotte de Rihanna… Je n’y étais pas invité ! »

« Jada n’était pas contente. Son homme n’était pas nommé pour Seul contre tous (Concussion). Ce n’est pas juste que Will ait été si bon et qu’il ne soit pas nommé. C’est vrai. Mais c’est également injuste que Will ait été payé vingt millions d’euros pour Wild Wild West. OK ? »

Faut-il voir dans le geste de Will Smith l’expression d’une vieille rancœur ? Cette séquence, qui a jeté un voile glacial sur la soirée, est embarrassante pour l’image des Oscars. Elle continue de faire le bonheur des internautes qui rivalisent d’imagination pour la relayer sur les réseaux sociaux. Depuis, l’Académie des arts et sciences du cinéma a condamné le geste de l’acteur quinquagénaire, mais ce dernier a devancé les éventuelles sanctions en démissionnant de la vénérable institution, dans un communiqué dans lequel il se confond en excuses. De son côté, Chris Rock, dont on peut louer le sang-froid sur le moment, n’a pas souhaité porter plainte, d’autant que, depuis, l’affaire a donné un sacré coup de boost aux ventes de places de son spectacle !


Photo Dan MacMedan/USA Today

 

PALMARÈS

 

Malgré ses douze nominations The Power Of The Dog, de Jane Campion s’est fait coiffer au poteau par un petit film indépendant, CODA (acronyme de Child Of Deaf Adult – enfant entendant de parents sourds), de Sian Heder, remake du succès français La famille Bélier, d’Éric Lartigau, et qui avait déjà raflé le Grand Prix du Jury et le Prix du public à Sundance. Cette production Apple est majoritairement interprétée par des acteurs sourds. On y retrouve notamment Marlee Matlin, oscarisée en 1987 pour sa performance dans Les enfants du Silence. L’Oscar du Meilleur film est sorti directement sur la plateforme Apple TV en août 2021. CODA a également remporté les deux autres Oscars pour lesquels il avait été distingué : Meilleur scénario adapté et Meilleur second rôle, pour Troy Kotsur, qui devient le premier acteur malentendant récompensé.

 

Avec ses six Oscars (sur dix nominations), Dune (voir critique) est l’autre gagnant de la soirée. Le film monumental de Denis Villeneuve a été récompensé pour la musique (Hans Zimmer), la photo (Creig Fraser) les décors, le montage, les effets visuels et le mixage son.

 

The Power Of The Dog, western psychologique pataud dont je n’ai été sensible qu’à la beauté des images (due au talent de la jeune chef-opératrice Ari Wegner), n’est pas pour autant revenu bredouille. La néo-zélandaise Jane Campion a remporté l’Oscar de la Meilleure réalisatrice, devenant la troisième femme à recevoir ce trophée après Kathryn Bigelow (Démineurs, 2010) et Chloé Zao l’année dernière pour Nomadland.


Photo Robyn Beck/AFP

 

Will Smith, encore lui, a raflé l’Oscar du Meilleur acteur pour son rôle de Richard Williams dans La méthode Williams (King Richard, surnom de Richard Williams), de Reinaldo Marcus Green. Visiblement retourné après son coup d’éclat, l’acteur s’est excusé auprès de l’Académie, et, en larmes, a tenté de justifier son geste de manière brouillonne en faisant un parallèle avec son personnage de père protecteur dans le film. Quand il a évoqué son envie d’être un ambassadeur de l’amour, certains y ont vu du sublime, d’autres… de l’égarement.

À noter que la veille, à la cérémonie des Razzie Awards, qui récompensent le pire du cinéma américain, Will Smith avait remporté le Prix de la rédemption pour son rôle de Richard Williams, face à Nicolas Cage (Pig) et Jamie Dorman (Belfast). Ironie, je ne sais pas…


Photo Robyn Beck/AFP

« L’amour vous fait faire des choses dingues… »

 

Quelques minutes avant, c’était Jessica Chastain, en robe de princesse (Gucci), qui célébrait l’amour et la tolérance en recevant l’Oscar de la Meilleure actrice pour sa performance dans Dans les yeux de Tammy Faye (The Eyes Of Tammy Faye) de Michael Showalter (Disponible sur Disney +). Elle y campe la chanteuse et télé-évangéliste Tammy Faye Bakker, icône très populaire aux États-Unis dans les années 70 et 80. Avec son mari Jim Bakker, elle avait créé la plus grande chaîne de télévision évangélique. Mais les malversations financières de son époux, à l’ambition démesurée (campé par Andrew Garfield), ont entraîné la chute de cet empire médiatique très lucratif. L’actrice de quarante-cinq ans, à l’origine du projet, y apparaît grimée et très maquillée, mais parvient à donner à ce personnage souvent pathétique une humanité extraordinaire. Contrairement aux évangélistes de cette période marquée par l’explosion du Sida, Tammy Faye a combattu l’homophobie, et s’est opposée à toute tentative de manipulation de la droite conservatrice, devenant même une fervente militante des droits LGBT. Jessica Chastain, sacrée pour la première fois après deux nominations infructueuses, a livré un discours particulièrement poignant, et a invité à s’inspirer du message d’amour inconditionnel porté par Tammy Faye.


« Elle a pris dans ses bras ceux qui étaient systématiquement rejetés et s’est investie durant des décennies dans l’amour des personnes LGBT »

 

L’Oscar du Meilleur second rôle féminin est allé à Ariana DeBose pour sa performance dans le remake de West Side Story, réalisé par Steven Spielberg et nommé dans six catégories. La comédienne et chanteuse américaine ouvertement queer y campe Anita, rôle qui avait également valu à Rita Moreno, il y a soixante ans, l’Oscar du Meilleur second rôle féminin. Elle s’imposait alors comme la première actrice latino-américaine à recevoir ce trophée (Rita Moreno figure également au générique du remake).

« Maintenant, vous comprenez pourquoi Anita dit : “Je veux être en Amérique”. Parce que même dans ce monde fatigué dans lequel nous vivons, les rêves deviennent réalité. »

 

Salué par sept nominations dont celle du Meilleur film, Belfast de Kenneth Brannagh, ou la guerre civile en Irlande vue à travers le regard d’un enfant, obtient l’Oscar du Meilleur scénario original. C’est le premier obtenu par le cinéaste, déjà cinq fois nominé par le passé.


Photo Jordan Strauss/Invision/AP
« Cette histoire c’est avant tout la recherche de la voie de l’espoir en dépit de la violence. »

 

Logiquement, c’est l’éblouissant Drive My Car, du Japonais Ryûsuke Hamaguchi, déjà multi-récompensé, qui obtient l’’Oscar du Meilleur film étranger.

 

Encanto, la fantastique famille Madrigal, comédie musicale des studios Disney, autour d’une légende sud-américaine, rafle l’Oscar du Meilleur film d’animation.

 

L’Oscar de la Meilleure chanson revient à No Time To Die du film homonyme (en français Mourir pour attendre), signée Billie Eilish et son frère Finneas O’Connell.

 

C’est Summer Of Soul, de Questlove, évocation du Harlem Cultural Festival de 1969, qui remporte l’Oscar du Meilleur documentaire (il est visionnable sur Disney+)

 

DÉCEPTIONS

Dommage que l’Académie n’ait pas daigné prendre en considération Annette de Leos Carax, l’événement cinématographique de 2021 en termes d’innovation, d’originalité, et de puissance. Que l’audacieux Licorice Pizza, de Paul Thomas Anderson n’ai rien glané est une autre aberration, tout comme le magnifique Spencer. Dommage aussi pour l’irrésistible Don’t Look Up : déni cosmique, nommé dans quatre catégories, et qui a fait chou blanc.

 

AUTRES TEMPS FORTS DE LA SOIRÉE


Photo Robyn Beck/AFP

La salle s’est levée lors de l’arrivée sur scène de Francis Ford Coppola, Al Pacino et Robert De Niro, réunis pour célébrer le cinquantième anniversaire du Parrain, au son de la musique de Nino Rota. Avant de quitter la scène, le réalisateur a lancé un vibrant « Viva Ukraine ! »

 

Uma Thurman, John Travolta et Samuel L. Jackson sont venus remettre à leur manière l’Oscar du Meilleur scénario (Pulp Fiction remportait le même trophée il y a vingt-huit ans). Pour l’occasion, Uma Thurman et John Travolta ont esquissé quelques pas de leur danse devenue mythique.

 


Photo B.Snyder/Reuters

Un trio inattendu, composé de légendes des sports de glisse, a introduit le clip en hommage à la saga James Bond, dont le premier épisode 007 contre Docteur No est sorti en 1962, il y a juste soixante ans. Il s’agit de Tony Hawk (skate), Kelly Slater (surf) et Shaun White (snowboard), excusez du peu…

 

Le très rare Kevin Costner, venu remettre l’Oscar du Meilleur réalisateur, a livré un discours extrêmement émouvant sur la puissance du cinéma.

 

FAUTES DE GOÛT

En 2022, pour faire remonter les audiences de la cérémonie, en chute libre d’année en année, l’Académie a eu l’idée d’instaurer un Prix du public, organisé sur Twitter. Et le gagnant est… Army Of The Dead, de Zack Snyder (autant dire un navet), disponible sur Netflix, et qui dame le pion à l’attendu Spider-Man : No Way Home, gros carton de 2021 auprès de la jeune génération.

Dans le même genre, on a eu droit aux cinq moments les plus intenses du cinéma d’après les votes du public, et c’est une séquence de Justice League, du même Zack Snyder, qui l’emporte. Heu…

 

LOOKS

Timothée Chalamet en Vuitton ( Getty Images) Penelope Cruz en Chanel (Mirador Sthanlee/SPUS/ABACA)

 

Lupita NYong’o en Prada (Gilbert Flores), Saniyya Sidney en Armani Privé (Runway Magazine)

 

 

CÉSAR 2022

 


Canal+

Quasiment un mois avant, le 25 février, se tenait à l’Olympia la 47ème cérémonie des César. Ce lendemain de l’invasion de l’Ukraine, à l’heure du spectre de la Troisième guerre mondiale, l’ambiance n’était pas celle des grands jours. Les paillettes étaient de mise, mais le cœur n’y était pas. Le vétéran Antoine de Caunes, pour la dixième fois maître de cérémonie, pro à défaut d’être brillant, a annoncé dès l’entame de la soirée :

« Comment ne pas évoquer ce qui se passe en ce moment même à trois heures d’ici ? Eh bien déjà en disant que ce que nous célébrons aux César, est précieux : l’art, la parole libre, le travail d’équipe. Alors évidemment, ce soir, on ne va pas changer le monde. On s’est fait beau, on va rire, on va être ému. Parce que l’essence de notre métier est de continuer quoi qu’il arrive, même si le monde semble s’effondrer autour de nous. Ce soir, nous pensons aux Ukrainiens, et soyons à la hauteur de la chance qu’ils n’ont pas. »

 


Photo Best Image/Borde-Jacovides

Présidente pour un jour, Danièle Thompson a salué la bonne cuvée 2021 et le travail effectué par le monde du cinéma, en dépit de la peur du Covid, du casse-tête des masques et du pass vaccinal, et s’est félicité du nombre de spectateurs qui se sont déplacés pour voir les films en salles françaises (quatre-vingt-seize millions) .

Dans l’assemblée d’ailleurs, on distinguait des gens masqués, de noir, d’autres non, d’autres avec le masque flottant sous le nez, à l’image du flou qui caractérise toujours à l’heure actuelle les mesures sanitaires.

Les petits jeux de mots du maître de cérémonie n’ont pas toujours été heureux. Dans une soirée qui manquait sérieusement de rythme, les tentatives des intervenants venus amuser la galerie ont souvent fait flop, notamment le happening de Marie s’infiltre, venue montrer ses fesses. Même le tandem du Palmashow s’y est cassé le nez. Gilles Lellouche a tenté de dérider un Pierre Niney qui n’a pas eu l’air de s’amuser un seul instant.


Canal+

PALMARÈS

L’ absence de Leos Carax et de Xavier Giannoli, les deux cinéastes des films lauréats de la soirée, a également plombé la fête, mais on ne peut que se réjouir que ces œuvres aient eu la préférence des votants.

Grand gagnant, le magnifique Illusions perdues (voir critique) de Xavier Giannoli, rafle sept César sur quinze nominations : Meilleur film, Meilleur espoir masculin (Benjamin Voisin), Meilleur second rôle (Vincent Lacoste), Meilleure adaptation, Meilleure photo (Christophe Beaucarne), Meilleurs costumes et Meilleurs décors.


Benjamin Voisin, ému (Photo Sipa)


Vincent Lacoste, hilare (Photo Laurent VU/Sipa)

 

Annette, de Leos Carax (voir critique), obtient cinq César sur onze nominations : Meilleur réalisateur, Meilleure musique (Sparks), Meilleur montage, Meilleurs effets spéciaux, Meilleur son.

DÉCEPTIONS

Illusions perdues et Annette n’ont laissé que des miettes aux autres films, et beaucoup sont revenus bredouille, tel Bac Nord de Cédric Jimenez, pourtant nommé dans sept catégories. Idem pour Benedetta, de Paul Verhoeven ou Eiffel de Martin Bourboulon. Snobées également, les deux excellents comédies que sont Les deux Alfred, de Bruno Podalydès, et Le discours de Laurent Tirard. Quant à Titane, le phénomène clivant de Cannes, n’a pas transformé une seule de ses cinq nominations.

 

TEMPS FORTS DE LA SOIRÉE


Photo Laurent VU/Sipa

Le discours plein de fougue et d’émotion d’Anamaria Vartolomei, la jeune interprète de L’événement d’Audrey Diwan, sacrée Meilleur espoir féminin,


Photo Bertrand Guay/AFP

Arthur Harari, lauréat du César du Meilleur scénario original pour Onoda, 10 000 nuits dans la jungle, a fait sensation avec son discours vibrant sur l’essence du cinéma, dénonçant l’invasion des plateformes de streaming.

« On ne va pas au supermarché pour avoir une émotion ! »


Photo Bertrand Guay/AFP

Valérie Lemercier, drôle et touchante en recevant son César de la Meilleure actrice pour Aline.

 

La jolie tirade de Sofiane Zermani dit Fianso, venu remettre le César de la Meilleure musique originale.


Photo Bertrand Guay/AFP

Le groupe Sparks, forcément César de la Meilleure musique pour Annette (il était un peu hors catégorie) a prouvé qu’on pouvait être américain et extrêmement cultivé. La déclaration d’amour de Russell Mael au cinéma français (citant Godard, Truffaut, Jean-Paul Belmondo…) était aussi celui de la star australienne Cate Blanchett, invitée d’honneur de l’édition, qui a livré un discours fougueux et flamboyant.


Photo Bertrand Guay/AFP


Photo AFP

La cérémonie qui s’est ouverte sur le sourire de Gaspard Ulliel, décédé en janvier dernier, lui était dédiée, et c’est son ami Xavier Dolan, le cinéaste qui lui a offert son plus beau rôle, qui lui a rendu hommage. Certains cyniques ont fustigé l’incohérence du discours ponctué de larmes du prodige québécois, ratrappé par l’émotion et incapable de dissimuler son chagrin, mais Dolan sera toujours Dolan. Et en substance, il a dit ce qu’il fallait.


Photo Laurent VU/Sipa
« Son talent, nous le possédons encore. Et ça personne ne pourra nous l’enlever »

 

HOMMAGE À JEAN-PAUL BELMONDO


« Au Conservatoire, on me disait que j’avais une tête qui pourrait me gêner pour prendre des dames dans mes bras… »

 

ET AUSSI


Photo Laurent VU/Sipa

Damant le pion à l’Américain Adam Driver, star de Annette et qui s’était pourtant déplacé, Benoît Magimel remporte le César du Meilleur acteur pour son rôle de directeur de théâtre condamné par un cancer dans De son Vivant d’Emmanuelle Bercot, un rôle que par superstition, il avait hésité à accepter.

Le César du Meilleur second rôle féminin revient à une actrice non-professionnelle, Aïssatou Diallo Sagna, aide-soignante dans la vie et dans La Fracture de Catherine Corsini.


Photo Bertrand Guay/AFP
« Je pensais être là pour de la figuration… »

 

Le César du Meilleur film d’animation est allé au Sommet des Dieux, de Patrick Imbert, adapté du manga de Jirô Taniguchi.

 

Celui du Meilleur documentaire à La panthère des neiges de Marie Amiguet et Vincent Munier.

 

Les Magnétiques, de Vincent Maël Cardona, a remporté le César du Premier film.

 

The Father, de Florian Zeller, celui du Meilleur film étranger, damant le pion à Drive My Car, sérieux concurrent. Le film avait valu à Anthony Hopkins l’Oscar du Meilleur acteur l’année précédente, tandis que Florian Zeller et Christopher Hampton recevaient celui de la meilleure adaptation (de la propre pièce de Florian Zeller).

PLUS BEAUX LOOKS  

Cette année, le noir était quasiment de rigueur mais ça n’a pas empêché Valérie Lemercier en Stéphane Rolland (Dominique Charriau/Getty Images) et Léa Sédoux en Louis Vuitton (Pascal Le Segretain/Getty Images) de briller.


Les lauréats de la 47ème (Laurent VU/Sipa)

HOLLYWOOD MASTER CLASS

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Quatre chefs-d’œuvre de l’âge d’or d’Hollywood viennent de paraître en Combo Blu-ray+DVD (et DVD Collector) chez Elephant Films, dans la collection Cinema Master Class, en version restaurée et assortis de suppléments exclusifs. Quatre comédies sophistiquées pour rire ou pleurer, signés par les plus grands cinéastes de leur temps.

 

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« Votre mère ne vous a jamais dit qu’il y avait des choses correctes et d’autres pas ?
– Non, elle parle beaucoup pour ne rien dire. »

 

MY MAN GODFREY (Godfrey)

Gregory La Cava
1936

Deux mondaines, Irene (Carole Lombard) et sa sœur Cornelia (Gail Patrick), participent à une course au trésor un peu spéciale organisée par la haute société new-yorkaise. Il s’agit de dénicher un objet dont personne ne veut. Irene jette son dévolu sur un clochard, Godfrey (William Powell), qui vient d’envoyer sa sœur sur les roses. Elle le trouve si sympathique qu’elle convainc même sa mère de l’engager comme majordome dans leur très chic maison de Park Avenue. Contre toute attente, Godfrey va se révéler extrêmement efficace et ses bonnes manières surprendre toute la maisonnée. Et pour cause, car il n’est pas vraiment celui qu’il prétend être…

Ce n’est pas la première screwball comedy de l’histoire. Cet honneur revient au New York-Miami de Capra et Train de luxe de Hawks, parus en 1934, soit deux ans plus tôt. Mais My Man Godfrey peut s’enorgueillir d’avoir popularisé le terme. C’est en effet lors de la sortie du film de Gregory La Cava qu’est apparue pour la première fois dans la presse l’expression « screwball comedy ». Ce sous-genre de la comédie romantique traite moins de romance que d’affrontement entre les sexes et de leur rapprochement. Pour contourner la censure, les scénaristes et dialoguistes rivalisaient d’imagination. Ils avaient le chic de glisser dans le bavardage des sous-entendus parfois aussi osés que des scènes de sexe. Il fallait également faire oublier au public la morosité ambiante en cette période de Grande Dépression. Pour cela, rien de mieux qu’aborder la différence des classes : ridiculiser les riches, tout en montrant le faste de leur train de vie. C’est ce qui fait précisément le sel de My Man Godfrey, salué par six nominations aux Oscars en 1937, histoire d’imposture prétexte à un festival de situations loufoques, de dialogues absurdes et désopilants. La famille Bullock réunit toutes les figures typiques du genre : une enfant gâtée insupportable mais attachante, une sœur aussi belle que perfide, une mère totalement écervelée, un père dépassé par la situation, qui s’étonne à peine de découvrir un cheval dans le salon un lendemain de fête arrosée. La mise en scène est brillamment assurée, et avec un rythme effréné, par Gregory La Cava, cinéaste venu du dessin animé qui s’est imposé dans les années 30 comme l’un des maîtres de la comédie loufoque. On lui doit Fifth Avenue Girl, avec Ginger Rodgers, She Married Her Boss avec Claudette Colbert ou Pension d’artistes (Stage Door) avec Katharine Hepburn. Ici, c’est la ravissante Carole Lombard qui fait montre de ses talents comiques. L’actrice est en totale alchimie avec William Powell, son ex-époux dans la vie. Ce dernier, à l’époque héros de la série des Thin Man (L’introuvable) aux côtés de Myrna Loy, campe à merveille ce Godfrey ambigu et placide qui ne se dépare pas de son calme, même dans les situations les plus délirantes, telle celle qui clôt le film, et qui n’est pas la moins surprenante.
1 h 34 Et avec Gail Patrick, Alice Brady, Eugene Pallette, Alan Mowbray, Mischa Auer, Jean Dixon…

Le film, joliment restauré en Haute Définition, est uniquement présenté en version originale (avec option de sous-titres français ou anglais) en DTS-HD Master audio 2.0. Il est accompagné d’une présentation intéressante du critique et professeur d’histoire de cinéma Nachiketas Wignesan et d’un bêtisier (plutôt rare pour un film de cette époque). La bande-annonce d’origine et d’autres de la collection sont également au menu de ce combo Blu-ray+DVD.

 

 

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« J’ai oublié de vous dire… Vous partez pour l’Amérique…
– L’Amérique ? Le pays de l’esclavage ?
– Oh, plus maintenant, un certain Pocahontas y a mis fin… »

 

L’EXTRAVAGANT MISTER RUGGLES (Ruggles Of Red Gap)

Leo McCarey
1935

En 1908, Marmaduke Ruggles (Charles Laughton) est le valet exemplaire du comte Earl Of Burnstead (Roland Young), qui séjourne à Paris. Un matin, il apprend de la bouche de son aristocrate de maître qu’il a été l’enjeu d’une partie de cartes disputée la veille avec un millionnaire américain. Le comte ayant perdu, l’infortuné Ruggles doit donc rejoindre Mr et Mrs Floud (Charles Ruggles et Mary Borland) et partir avec eux pour le Far West. Un véritable choc pour ce majordome à la rigueur très britannique, car au grand dam de Madame, qui aimerait avoir ses entrées dans la haute-société, Monsieur a des manières de cow-boy dont il n’a aucune intention de se défaire. Au début épouvanté, Ruggles va découvrir que le Nouveau Monde a des avantages insoupçonnés…

L’extravagant Mr Ruggles, nommé pour l’Oscar du Meilleur film en 1936, est à juste titre considéré comme le premier chef-d’œuvre de Leo McCarey. Cet ancien assistant de Tod Browning devenu spécialiste de films burlesques pour le producteur Hal Roach, a supervisé bon nombre d’épisodes de Laurel et Hardy et mis en scène les Marx Brothers dans La soupe aux canards. Sa carrière de réalisateur débute véritablement dans les années 30 lorsqu’il se met au service des stars de l’époque (Gloria Swanson, Mae West, Jeanette MacDonald…) avant d’imposer sa griffe dans des films plus personnels, comme ce Ruggles Of Red Gap adapté d’un roman de Harry Leon Wilson déjà porté deux fois à l’écran au cours des décennies précédentes. Comédie sur le choc des cultures, cette farce est irrésistible grâce à l’interprétation enlevée des acteurs. Charles Laughton, en valet pince-sans-rire et plus snob que ses patrons, est hilarant, même s’il a parfois tendance à cabotiner. Il émane de cette aventure réellement « extravagante » une joie de vivre, une humanité et une bienveillance manifestes. Au contact des habitants attachants de ce qu’il pensait être un « pays de barbares », le majordome défenseur de la Vieille Angleterre va découvrir les vertus de la démocratie et de l’égalité des classes. Ruggles ira même jusqu’à réciter le discours de Lincoln devant les habitués du saloon de Red Gap, totalement médusés. Capra n’aurait pas fait mieux !
1 h 30 et avec Leila Hyams, Zazu Pitts, Maude Eburne, Leota Lorraine, Lucien Littlefield…

 

 

Le film, joliment restauré en Haute Définition, est uniquement présenté en version originale (avec option de sous-titres français ou anglais) en DTS-HD Master audio 2.0. Il est accompagné d’une présentation très instructive de 28 minutes par le critique Olivier Père, directeur d’Arte France Cinéma. Des bandes-annonces complètent le programme.

 

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« Un petit conseil jeune dame : ne soyez pas trop maligne, ne pensez pas tout savoir. Prenez les choses comme elles viennent ! »

 

LA VIE FACILE (Easy Living)

Mitchell Leisen
1937

B. Ball (Edward Arnold), riche banquier new-yorkais, est las des dépenses inconsidérées de son épouse qui « collectionne » les manteaux de fourrure. Sur un coup de tête, il décide de jeter le dernier en date du balcon de leur appartement sur la 6ème Avenue. La fourrure de zibeline échoue sur la tête (ou plutôt le chapeau) d’une modeste dactylo (Jean Arthur). La vie de la jeune femme va en être changée…

Pur joyau de screwball comedy, Easy Living est l’œuvre d’un tandem de haut vol : Mitchell Leisen (à la réalisation) et Preston Sturges (au scénario). Le premier a fait ses classes comme costumier chez Cecil B. DeMille et collaboré ensuite avec des pointures comme Allan Dwan ou Raoul Walsh (il a signé les costumes de Robin des bois et du Voleur de Bagdad, avec Douglas Fairbanks). Avec le temps, il s’est spécialisé dans la mise en scène de comédies loufoques et sophistiquées, s’alliant avec des scénaristes de talent, comme Billy Wilder ou ici, Preston Sturges. Ce dernier, qui réalisera quatre ans plus tard le fameux Les voyages de Sullivan et deviendra l’un des maîtres de la screwball comedy (Madame et ses flirts, Infidèlement vôtre…) a le génie du burlesque. Il y a chez lui un mélange de cynisme, d’agressivité et de comique qui n’est pas sans similitudes avec l’humour de Tex Avery. Issu de la grande bourgeoisie, Sturges n’a pas son pareil pour la tourner en ridicule. Dans Easy Living, librement inspiré d’un récit de Vera Caspary (Laura, Chaînes conjugales…), c’est un manteau de fourrure tombé du ciel qui sera la source de quiproquos et d’ennuis pour la jeune Mary Smith, entraînée dans des situations plus absurdes les unes que les autres. À l’image de la séquence du self-service en plein chaos, cette peinture d’une Amérique encore sous le coup de la Grande Dépression est un joyeux bazar, irrésistiblement drôle. L’immense star Jean Arthur, belle et futée, illumine cette comédie aux côtés de Edward Arnold (les deux acteurs sont à la même époque des comédiens fétiches de Capra) et du jeune Ray Milland, parfait dans le rôle du fils à papa en pleine rébellion. Comme la distribution, les dialogues sont aux petits oignons :

« Ai-je dit qu’il était mort ?
– Eh bien vous avez dit : “Pauvre vieux papa”…
– Pas besoin d’être mort pour ça. Même pas d’être pauvre.
– Ni d’être vieux non plus… »
1h 28 Et avec Luis Alberni, Mary Nash, Franklin Pangborn…

 

Le film, joliment restauré en Haute Définition, est uniquement présenté en version originale (avec option de sous-titres français ou anglais) en DTS-HD Master audio 2.0. Il profite d’une présentation riche en anecdotes du sémillant Jean-Pierre Dionnet (13 minutes), à côté de laquelle l’introduction par l’historien américain Robert Osborne, animateur de la chaîne Turner Classic Movies fait pâle figure (2 minutes). Des bandes-annonces complètent le programme.

 

 

 

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« Pourquoi ne pas voir les choses en face Grand-mère ?
– À dix-sept ans, le monde est beau. Voir les choses en face est aussi agréable que sortir ou aller danser. Mais à soixante-dix ans, on n’aime plus danser. On ne pense plus à sortir. Le seul plaisir qui te reste, c’est de faire semblant de ne pas avoir de problèmes. Alors si ça ne te fait rien, je vais continuer à faire semblant. »

 

 

PLACE AUX JEUNES (Make Way For Tomorrow)

Leo McCarey
1937

Lors d’un déjeuner en famille, Bark (Victor Moore) et Lucy Cooper (Beulah Bondi), mariés depuis cinquante ans, annoncent à leurs enfants adultes que leur maison va être saisie par la banque. À la retraite depuis quelques années, totalement désargenté, Bark n’a pas pu honorer les traites. Le hic, c’est qu’aucun des cinq enfants n’est dans une situation financière mirobolante, et aucun ne peut accueillir les deux parents ensemble…

Paru pour la première fois en France sous le titre Le crépuscule de la vie, et rebaptisé Place aux jeunes par le critique Pierre Rissient dans les années 60, Make Way For Tomorrow a une place à part dans la filmographie de Leo McCarey. Plus connu pour ses comédies, le génial réalisateur de Cette sacrée vérité, La route semée d’étoiles ou Elle et lui, détenteur de trois Oscars, a eu l’audace de s’attaquer de front à un sujet pour le moins tabou au cinéma : la vieillesse — thème qui inspirera à Yasujirō Ozu en 1953 un chef-d’œuvre : Voyage à Tokyo. Cette lente agonie d’un vieux couple dans l’obligation de se séparer pour des raisons financières, est filmée d’une manière aussi juste que cruelle. Dans cette Amérique de 1937, touchée par la crise économique, le cas des époux Cooper n’est pas isolé et le film est d’ailleurs librement adapté de Years Are So Long, roman écrit quatre ans plus tôt par la journaliste Josephine Lawrence qui a relaté dans plusieurs de ses ouvrages les effets de la Grande Dépression sur la population. Ici, McCarey et sa scénariste Viña Delmar ont l’intelligence de ne pas grossir le trait. S’ils sont égoïstes, les enfants ne sont pas des monstres. Et à cause de leur caractère, Lucy et Bark qui se retrouvent l’un chez un fils, l’autre une fille, ne sont pas non plus « faciles » à héberger. La présence de Lucy chez George et son épouse conciliante (formidables Thomas Mitchell et Fay Bainter) amène des complications inévitables dans la vie familiale. Par petites touches, parfois non dénuées d’humour, le réalisateur restitue le malaise créé par certaines situations, embarrassantes pour tout le monde, spectateur y compris. Même la parenthèse enchantée offerte aux protagonistes a quelque chose de déchirant, d’autant qu’elle annonce un épilogue implacable. On s’en doute, paru en plein essor de la comédie burlesque, ce « vilain petit canard » fut un échec à sa sortie, obtenant même un statut de film maudit avant d’être réhabilité par les cinéphiles. C’était pourtant le préféré de Leo McCarey, et l’un des favoris de beaucoup de ses pairs, Frank Capra en tête. Quatre-vingt-cinq ans après sa création, ce film sur la condition humaine n’a rien perdu de sa pertinence et donne toujours à réfléchir.
1h 31 Et avec Barbara Read, Elisabeth Risdon, Ray Mayer, Louise Beavers…

 

 

Le film, joliment restauré en Haute Définition, est uniquement présenté en version originale (avec option de sous-titres français ou anglais) en DTS-HD Master audio 2.0. Il est accompagné d’un entretien instructif de 27 minutes avec Olivier Père, grand admirateur de l’œuvre de Leo McCarey. On y apprend que Beulah Bondi, l’interprète de Lucy Cooper, avait en fait quarante-huit ans, quasiment le même âge que Thomas Mitchell, qui incarne son fils. Des bandes-annonces complètent le programme.

 

 

 

Les amoureux de Screwball Comedy peuvent aussi se tourner vers cet excellent coffret DVD paru aux éditions Montparnasse en 2019, incluant La dame du vendredi, My Man Godfrey, La joyeuse suicidée, et deux documentaires, l’un sur la Screwball, l’autre sur Billy Wilder.